Egg (밴드)

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1 개요[ | ]

Egg
에그

영국의 프로그레시브 록 밴드
장르: 프로그레시브 록, 익스페리멘털 록, 캔터베리 신, 사이키델릭 록, 아방가르드 음악
활동시기: 1968–1972, 1974

2 음반 목록[ | ]

3 Egg Story[ | ]

서문 캡틴 센서블(Captain Sensible) 씀

사람들은 십대 때 빠져든 음악이 평생 간다고들 하죠. 그래서 저는 제가 태어난 시대를 운 좋게 생각해요. 그 덕분에 정말 멋지고 (하지만 꽤 다양한, 이건 꼭 짚고 넘어가야죠) 아티스트들을 접할 수 있었으니까요. 제가 자라던 시절, 매일 아침 학교에 걸어가면서 트랜지스터 라디오에서 흘러나오는 The Who나 The Kinks의 음악을 듣는 건 정말 짜릿했어요... 팝 음악은 사랑 같은 걸 주제로 한 3코드의 ‘끝내주는(fab)’ 곡들의 연속이었죠. 그러다 70년대가 다가오면서 모든 게 바뀌기 시작했어요... 음악은 더 복잡해졌고, 밴드들은 깔끔한 이미지를 벗어던지고 완전히 다른 모습을 추구했죠. 뭐든지 가능했던 시대였어요 – 그래서 Frank Zappa, Soft Machine, Jimi Hendrix, 그리고 (제가 가장 좋아하는) Egg 같은 아티스트들이 등장한 것도 그 때문이에요. Egg는 기존의 규칙을 완전히 무시하고 정말 독특하고 대단한 앨범들을 만들어냈는데, 저는 이들을 John Peel의 라디오 프로그램을 통해 처음 알게 됐죠.

The Polite Force를 샀던 날이 기억나요... 그리고 친구 집에서 가구를 이리저리 옮기며 얼마나 재밌었는지! 친구 부모님 댁에는 그 당시 최신형이던 스테레오 레코드 플레이어가 있었고, 우리는 외부 스피커 사이 바닥에 누워 불을 끈 채로 Egg의 음악과 함께 작은 음악 여행을 떠나곤 했죠. 긴 곡들은 특히 몽환적인 분위기가 강했어요, 왜냐하면 스테레오 믹스 양쪽을 오가며 뒤틀린 퍼즈 오르간 소리가 날아다녔거든요.

Egg의 음악은 재즈 느낌의 팝부터 본격적인 사이키델릭까지 다양했고, 심지어 코미디 트랙도 몇 곡 포함돼 있어서 정말 좋았어요. 우리는 'They Laughed When I Sat Down At The Piano'를 들을 때마다 너무 웃겨서 배가 아플 정도였죠. 그리고 물론 'Bulb'도 빼놓을 수 없죠... 단 9초짜리지만 정말 명곡이에요. "도대체 무슨 말이야?"라며 앨범 커버를 들여다보며 그들의 정체를 추측하곤 했지만, 밴드는 당시 유행하던 장발로 얼굴이 거의 가려진 사진만 골라서 썼더라고요. Dave Stewart의 코만 간신히 히피 머리 사이로 보일 정도였고, 나머지 멤버들도 모두 진지한 표정을 짓고 있었죠... 하지만 그 모든 걸 넘어서 음악 자체에 큰 기쁨이 담겨 있고, 지금 들어도 신선하게 들려요.

Paul Gambuccini가 진행하는 라디오 3의 예술 프로그램에 출연했을 때가 생각나요. 게스트가 좋아하는 음악을 하나 틀고 그에 대해 이야기하는 포맷이었는데, 저는 'A Visit to Newport Hospital'을 골라 열렬히 소개했어요 – 이 곡과 Egg의 다른 긴 곡들의 기악 부분을 재즈나 클래식 거장들에 비유하면서요. 모든 게 잘 될 줄 알았는데, 통제실에 있는 바보들이 곡의 시작 부분, 즉 퍼즈가 짙게 깔린 리프만 틀다가 분위기가 멜로디컬하게 바뀌기 직전에 끊어버린 거예요. 패널들은 그 리프밖에 못 들었고... 그들의 표정을 봤어야 해요! 시작 부분은 확실히 약 기운 나는 소리긴 하죠. 많은 사람들이 그 밴드가 기타로 그러는 줄 아는데, 사실 그 곡에는 기타가 전혀 없어요 – 오르간, 베이스, 드럼만으로 구성돼 있거든요.

‘Newport Hospital’의 가사 주제는 자전적인 느낌이 강해요. 때때로 제 펑크 친구들 – 특히 The Lurkers의 Arthur나 Sniffing Glue를 편집했던 Mark P 같은 친구들과 맥주 몇 잔 마시고 나면 이 노래를 함께 부르기도 해요. 가사가 정말 기억에 잘 남고 70년대 초반의 분위기를 생생하게 떠올리게 하거든요. 사실 저도 그 시절 ‘스킨헤드들과 법’을 피해 다녔던 기억이 있어요 – 참, 그때가 좋았죠?

기이한 박자, 연주 실력, 매력적인 가사, 즉흥 연주, 퍼즈가 가득한 사이키델릭 사운드, 그리고 록과 팝, 재즈의 완벽한 조화 – 이 밴드는 정말 모든 걸 갖추고 있어요. 저에게 유일하게 놀라운 점은 이 밴드가 왜 더 널리 알려지지 않았냐는 거예요. 그들의 장대한 심포닉 곡들은 바흐나 베토벤 옆에 놓아도 손색없을 텐데요. 세븐(Seven)이 멋진 시간이 될 수는 있겠지만, Egg는 정말 끝내주는 밴드입니다!

지구에 뿌리내리다 (EARTHBOUND)

1968년 말, 라운드하우스(챌크 팜)의 미들 어스(Middle Earth)에서 열린 공연 이후, 클럽 운영자인 폴 월드먼(Paul Waldman)과 데이브 하우슨(Dave Howson)은 유리엘(Uriel)에게 자신들이 매니저가 되겠다는 제안을 했습니다. 단, 이름을 ‘The Egg’으로 바꾼다는 조건이었죠. 새로운 공연 장비와 정기적인 공연 기회를 제안받은 우리는 마지못해 그 제안을 받아들였습니다.

- Dave:** 미들 어스 사람들이 우리에게 새 장비를 사주기 전에, 라운드하우스 공연을 위해 내가 쓸 해먼드 오르간을 대여해주곤 했어요. 어느 날 나는 그 대여 오르간을 꽤 심하게 망가뜨렸어요. 우리가 연주하던 곡은 ‘McGillicuddie The Pusillanimous’였는데, 중간에 필수 요소처럼 들어가는 프릭아웃(즉흥적이고 혼란스러운 연주) 부분이 있었죠. 그 순간 누군가 스트로브 조명을 켰고 나는 완전히 정신이 나갔어요. 원래도 연주할 때 굉장히 흥분하는 편이었는데, 우리가 만들어내던 엄청난 소리, 음악의 흥분, 그리고 스트로브 조명 속에서 몬트(Mont)가 마치 순간이동하는 것처럼 보이는 장면이 제 뇌를 날려버렸죠. 벌떡 일어나 오르간 의자를 들어서 키보드에 내려쳤어요. 의자를 던져버린 후 다시 미친 듯이 손을 키 위로 휘젓기 시작했는데, 그건 실수였어요 – 몇몇 키가 부서져 있었고 날카로운 플라스틱 조각이 손가락을 베었거든요. 이 시점에서 저는 더 이상 음악적으로 기여할 수 없다고 느껴 무대에서 비틀거리며 내려와 머리를 무릎 사이에 박고 앉았죠. 몇몇 사람들이 다가와 괜찮냐고 물었지만, 피투성이 손만 빼고는 괜찮았어요. 지금 돌이켜보면, 그 폭발은 스트로브 때문이 아니라 순전히 아드레날린, 그러니까 토니 행콕(Tony Hancock)의 TV 캐릭터가 말하던 ‘붉은 안개(the old red mist)’ 같은 뇌혈류 폭발 때문이었던 것 같아요.

- Mont:** 새로운 매니저들이 우리가 기대했던 만큼은 아니라는 건 곧 분명해졌죠. 공정하게 말하자면, 그들은 정말 더 나은 장비를 사주긴 했어요. 하지만 그들의 공연 에이전시는 우리에게 많은 일을 주지 못했고, 약속했던 미들 어스에서의 주간 공연은 기껏해야 격주였죠. 우리가 해야 할 일이 뭔지 잘 몰랐기 때문에, 그냥 존재감을 알리기 위해 그들의 홀랜드 파크 사무실 근처를 자주 맴돌았어요. ‘아직 우리 살아 있어요, 매니지먼트 좀 부탁드려요, 너무 번거롭지 않다면요’ 하는 식으로요. 근데 그조차도 번거로웠나 봐요.

- Dave:** 사무실에서 일하던 두 여자 직원은 우리를 대놓고 경멸했어요. 그 중 한 명인 제니 페이비언(Jenny Fabian, 유명한 소설 『Groupie』의 작가)은 어느 날 스피키이지(Speakeasy) 클럽에서 우리가 첫 세트를 마치고 나자 몬트에게 노래를 그만두는 게 좋겠다고 했어요. 목소리가 너무 ‘쿨하지 않다’고요. 불쌍한 몬트는 그 말을 진지하게 받아들였죠. 다른 여성은 제게 머리를 어떻게 좀 해야겠다고 하더군요. 매니저의 직원들이 우리를 이렇게 생각하는데, 과연 그들이 진심으로 우리를 쇼비즈의 스타로 만들고자 했는지 상상하기 어려웠어요.

매니지먼트는 마지막 패를 꺼내들었어요: 미들 어스 레코드 레이블을 만들겠다는 계획이었죠. Writing on the Wall, Arcadium 그리고 우리 밴드가 중심이 되는 프로젝트였어요. 이들을 소개하기 위해 첼시의 사운드 테크닉스(Sound Techniques) 스튜디오에서 각 밴드가 몇 곡씩 녹음하게 했습니다. (우리는 몬트가 만든 ‘McGillicuddie The Pusillanimous’와 ‘You Are All Princes’를 녹음했던 걸로 기억해요. 후자는 매우 독창적인 곡이었죠.) 좋든 나쁘든, 계획했던 레코드 레이블은 결국 실현되지 않았어요. 하지만 데카 레코드(Decca Records)가 그 테이프를 듣고 데이브와 폴 몰래 우리에게 접근해, 앨버트 엠뱅크먼트(Albert Embankment)에 있는 그들의 고급 사옥으로 초대해 계약 조건에 대해 논의하고 싶다고 했죠.

데카와의 계약 (SIGNING WITH DECCA)

- Mont:** 내 부모님이 데카(Decca)의 A&R 책임자 휴 멘들(Hugh Mendl)을 만나러 갔어요. 우리 아버지는 그와 매우 잘 지냈죠. 두 사람은 참 비슷했어요, 둘 다 군 출신이고, 심지어 생김새도 닮았어요 – 대머리에, 처진 턱선, 크고 튀어나온 코, 그리고 갈라진 턱. 하지만 부모님의 개입은 우리에게 큰 도움이 되진 않았어요. 부모님이 우리에게 높은 선급금을 요구하라고 조언해줄 수도 있었을 텐데, 우리는 오히려 회사의 호감을 사려고 단 2,500파운드만 달라고 했죠. 순진하고 착하기 짝이 없는 아이들이었어요. 휴 멘들은 매우 친절했고 우리에게 다정하게 말해줬지만, 우리의 음악 자체에는 관심이 없었어요. 단지 우리가 히트곡을 만들어주길 바랐을 뿐이었죠.

- Dave:** 우리가 나이가 어려서, 데카 계약서에는 부모님들이 대리 서명을 해야 했어요. 우리는 비즈니스에 대해 전혀 무지했고, 법률 자문도 받지 않았으며, 아무 생각 없이 평생 Egg 음반이 팔릴 때마다 극히 소액의 수익만 받는 조건의 계약서에 서명해버렸어요. 대신 받은 건 멋진 주황색 포드 트랜짓 밴, 새 해먼드 오르간, 그리고 PA 시스템이었죠.

- Clive:** 데카의 기억이라면 – 훌륭한 스튜디오, 딱딱한 분위기의 사무실, 애비 로드에 뒤지지 않는 훌륭한 시설이 떠올라요. 밴과 해먼드를 살 수 있게 자금을 주긴 했지만, 우린 더 요구했어야 했어요.

- Dave:** 우리는 어리고, 순진하고, 자만했죠. 그래서 우리 음악 중 일부가 정통 클래식 음악에 견줄 수 있다고 생각했고, 그걸 증명하려고 'Symphony no. 1' 같은 거창한 제목을 붙이곤 했어요. 그 중 한 ‘악장’은 구스타프 홀스트(Gustav Holst)의 <행성 모음곡>에서 ‘토성’을 발췌한 거였어요. 팝 그룹이 유명 작곡가의 작품을 무단으로 가져다가 자신의 ‘교향곡’에 크레딧도 없이 끼워넣는다는 발상은 클래식 애호가들에겐 충격일 수 있겠지만, 우리는 그런 건 신경 쓰지 않았죠 – 그냥 우리가 좋아서 연주했어요.

이런 생각이 문제를 일으킨 건 1969년 10월 데카에서 데뷔 앨범을 녹음할 때였어요. 놀랍게도 우린 완전한 자유를 부여받았고, 그래서 홀랜드 파크에 있는 랜스다운 스튜디오에 장비를 세팅하고 당시 우리가 즐겨 하던 라이브 세트를 녹음했죠. 녹음이 끝나자 엔지니어가 “다 끝났나요? 좀 짧네요”라고 했어요. 놀라긴 했지만 급히 상의한 뒤 바흐의 ‘D단조 푸가’를 꺼내 앨범을 완성했죠. 여기까진 좋았는데 문제는 (흠…) 'Symphony no. 2'의 세 번째 악장이 스트라빈스키의 <봄의 제전>에서 직접 베낀 ‘청춘의 춤(Dance of the Adolescents)’이라는 점이었어요.

- Mont:** 데카의 한 임원이 앨범 발매 전에 전체를 들어봤어요. 그는 음악적 교육 수준이 충분했기에 우리가 <봄의 제전>에서 표절한 것을 알아챘고, 그 곡을 잘라내라고 명령했죠. 저는 스트라빈스키에게 그의 출판사인 Boosey and Hawkes를 통해 허락을 요청하는 편지를 썼지만 답장은 오지 않았고, 초판 LP 몇 장에만 그 세 번째 악장이 실렸을 뿐 일반 대중은 거의 들어보지 못했어요. 얼마 지나지 않아 우리는 그 곡을 폐기하고 새로운 곡들로 넘어갔습니다.

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음악적 발전 (MUSICAL DEVELOPMENT)

- Clive:** 몬트가 불규칙 박자를 음악에 도입하기 시작했을 때 ‘이건 언더그라운드 밴드가 되겠구나, 대중적으로 인기 있긴 힘들겠다’고 생각했어요. 스티브가 밴드에 있을 땐 꽤 로킹한 곡들이 많았는데, Egg는 완전히 다른 무언가가 되어가고 있었죠. 하지만 그 도전이 꽤 즐거웠어요.

- Dave:** 우리가 처음에 시작했던 짧은 곡들은 점점 더 길고 복잡한 기악곡으로 바뀌기 시작했어요. 곡이 더 어려워질수록 그걸 제대로 연주하기 위해 실력도 따라야 했죠 – 그게 몬트의 음악의 멋진 점이었어요. 항상 새롭고 흥미롭고 기술적으로 도전적인 무언가가 있었어요. 우리는 학창 시절부터 함께 연주해왔기에 직감적인 호흡이 있었고, 즉흥 연주도 정말 재밌었죠. 몬트와 클라이브는 둘 다 리듬감이 뛰어나서 아무리 복잡한 곡이라도 저는 리듬적으로 안정감을 느끼며 연주할 수 있었어요. 몬트는 창의적인 베이스 연주자였고, 클라이브는 정말 안정적이었어요. 박자를 놓치는 일이 없었고, 명료하고 흥분되며 강력한 연주를 했죠.

- Dave:** 우리는 드럼 키트를 일반 밴드들이 상상하지 못한 방식으로 사용했어요 – 저는 캡틴 비프하트 풍의 톰톰만을 사용하는 구간까지 연주했죠. 어떤 곡의 일부에선 라이드 심벌 하나만 사용하는 식이었고, ‘Long Piece no. 3’의 도입부처럼 크로스 리듬이 들어간 부분은 플로어 톰과 스네어로 연주했어요. 드럼을 거의 모든 방식으로 사용했던 것 같아요. 그건 굉장히 혁신적이었어요. 지금 들어도 참 대단하다고 느껴요.

- Mont:** 클라이브는 세계에서 가장 시끄러운 드러머 중 한 명이었어요, 겉보기엔 그렇지 않았지만요. 데이브가 우리를 바시노 스타일의 만화로 그린 적이 있었는데, 드럼을 연주하는 클라이브는 소음 구름으로 표현됐고, 데이브와 저는 각각 ‘들리지 않음’, ‘침묵’이라는 말풍선과 함께 아주 작게 그려졌어요. 이건 과장이 아니었죠 – 우리가 제대로 된 스피커 스택을 구하기 전까진요. (클라이브는 마이킹이 필요 없었어요!) 저는 클라이브에게 불규칙 박자를 빠르게 연주하는 법을 가르쳤고 그는 정말 완벽하게 해냈어요. 그는 리듬 정확도가 탁월해서, 그의 뇌엔 SMPTE 코드가 내장되어 있는 게 아닐까 싶을 정도예요.

데이브에 대해서는… 그는 원래 소울 밴드에서 기타 치면서 ‘Knock On Wood’나 ‘In The Midnight Hour’를 연주하던 사람이었는데, 어떻게 Egg와 이후 밴드들의 킬러 키보디스트가 되었는지 모르겠어요. 어떤 계기가 있었는진 몰라도, 그의 오르간에 대한 헌신은 정말 대단했고, 이후엔 무그(Moog), 프로핏(Prophet), 다른 신스들로까지 확장됐어요. 그는 빠르게 그 시대의 키보드 거장이 되었어요. 데이브의 연주는 정말 경이로웠고, 그가 사용하는 악기에 대한 통제력은 정말 인상적이었어요. 그는 공중에서 삼단 회전을 하는 곡예사 같았고, 클라이브와 저는 그를 받아주는 사람들 같았어요. 그가 이번 CD의 녹음을 제게 보냈을 때 정말 충격이었어요 – 와, 우리는 정말 흥미로운 밴드였더군요. 기술적이면서도 직관적인, 그런 밴드였어요. 제가 그걸 잊고 있었더라고요.

- Dave:** 대부분의 록 음악가들과 마찬가지로, 클라이브는 악보를 읽지 못했어요. 몬트와 저는 읽긴 했지만, 뛰어난 초견 연주자는 아니었어요. 음악이 점점 더 복잡해지면서, 우리는 편곡과 파트를 기억하기 위해 어떤 형태든 악보를 도입해야 했어요. 몬트와 저는 코드 기호와 완전한 악보를 혼용했고, 클라이브는 자신만의 독특한 음악 약식을 사용했어요 – 숫자들로 된 긴 목록, 어떤 건 동그라미로 표시되어 있고, 어떤 건 위에 점이 찍혀 있고… 다른 사람은 해독할 수 없는 시스템이었죠. 하지만 클라이브는 그것을 커다란 글씨로, 검정 사인펜으로 깔끔하게 써두곤 했어요. 결국 우리의 음악은 악보 없이는 연주할 수 없는 수준까지 발전했고, ‘Enneagram’ 같은 곡은 악보 없이는 기억하기 불가능했죠.

- Clive:** 전 드럼 악보를 전혀 읽지 않았고, 지금도 그게 힘들어요. 학교에서 피아노를 배우기 시작했었지만, 선생님이 좀 이상했어요 – 수업은 학교 꼭대기 층, 아무도 지나가지 않는 방에서 했고, 그 선생님은 불쾌한 농담을 하곤 했죠. 견딜 수가 없어서 그만뒀어요. 지금 생각해도 아쉬워요, 피아노를 계속 배웠으면 정말 좋았을 텐데.

Egg 정보

왼쪽에서 오른쪽: 클라이브 브룩스 (1949년 12월 28일, 이스트 런던 보우 출생) 휴고 마틴 몽고메리-캠벨 (1950년 12월 30일, 이집트 이스마일리아 출생) 데이비드 로이드 스튜어트 (1950년 12월 30일, 런던 워털루 출생) 알프레드 개스코인 (1951년 1월 1일, 이스트 런던 핵니 출생)

장비

- 클라이브:** Hayman 드럼 키트 – 22인치 베이스 드럼, 14인치 우드 스네어, 13x9인치 탐탐, 16x16인치 플로어 탐, 크래시 심벌 하나, 라이드 심벌 하나
- 몬트:** Fenton Weill 베이스 기타, Hiwatt 100와트 앰프, WEM 4x12” 스피커 캐비닛 2개, Duofuzz 퍼즈 박스
- 데이브:** Hammond L122 오르간, Hohner Planet ‘N’ 일렉트릭 피아노, Hiwatt 100와트 앰프, WEM 4x12” 스피커 캐비닛 2개, Duofuzz 및 Fuzz Face 퍼즈 박스, Schaller 와와 페달, 톤 제너레이터(접촉 스위치와 회전 피치 조절이 있는 발진기), WEM Copycat 테이프 에코 유닛

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- 북쪽으로 가라, 젊은이들이여**

- 데이브:** 첫 앨범 발매 후 우리는 본격적으로 공연 밴드 생활에 들어갔어요. 모든 공연을 기록해둔 건 아니라서, 지금은 소규모 공연 일부는 기록도 없을 거예요. 꽤 많이 돌아다녔고, 힘들긴 했지만 대체로 만족스러운 작업이었죠. 공연 분위기는 대체로 평화로웠지만, 불쾌한 사건도 몇 번 있었어요.

- 알프:** 한 번은 스완지의 대학에서 공연을 했는데 꽤 괜찮게 마무리됐어요. 공연 끝나고 밴은 다 실었고 몬트와 클라이브가 나오기만 기다리고 있었어요. 데이브는 조수석에 앉아 있었고 저는 밴 옆에 서 있었죠. 그런데 거대한 남자가 비틀비틀 걸어왔어요. 주변엔 아무도 없었고, 그래서 제가 “괜찮으세요, 형님?” 하고 말을 걸었죠. 그런데 그다음 순간, 모루만 한 주먹이 제 얼굴을 때렸어요. 너무 느긋한 상태라 예상도 못 했고, 제 머리는 뒤로 튕겨져 나가 밴의 보닛을 찌그러뜨렸어요.

‘이건 안 되겠다’는 생각이 들어서, 바로 운전석 쪽으로 가 밑에 숨겨둔 크룩락(Krooklok)을 꺼내서 그 놈을 때렸죠. 그러자 그는 물러서며 사과했어요. 그 일로 일주일간 뇌진탕에 시달렸고, 뇌가 부어서 운전을 제대로 했는지도 모르겠어요. 아마 중간에 클라이브가 대신 운전했을 거예요. 진짜 강하게 맞았어요. 그런데 그 이유가 뭔 줄 아세요? 그는 데이브를 자기 여자친구로 착각했던 거예요! 밴 앞좌석에 장발의 인물이 앉아 있는 걸 보고, 우리가 그녀를 데리고 달아나려는 줄 알았던 거죠. 제 크룩락이 그의 머리에 감겼을 때 그는 확실히 진정했어요.

- 클라이브:** 관객들이 어떻게 반응할지는 항상 미지수였어요. 사전에 밴드에 대해 좀 알고 오길 바랄 뿐이었죠. 아니면 중간에 나가버릴 수도 있었거든요. 하지만 항상 마지막엔 관객들을 사로잡았어요. 우리가 얼마나 과감한 음악을 연주하고 있는지, 얼마나 노력을 했는지를 보면 결국 빠져들더라고요.

- 데이브:** 우리는 종종 ‘우리가 왜 여기에 섭외됐지?’라는 생각을 하곤 했어요. 그래서 정말 우리의 음악을 아는 사람을 만났을 때 특히나 반가웠어요, 특히 폰티프랙트나 위드니스 같은 뜻밖의 장소에서요. 한 번은 이스트 앵글리아의 공연장에서 한 젊은 친구가 Egg가 자기 인생 최고의 밴드라며, 더불어 “Thetford 최고의 그룹”이라고 말하더라고요 – 아마 우리 앨범 산 사람들이 거기 모여 있었던 모양이에요.

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- 광야 속으로 (INTO THE WILDERNESS)**

- 데이브:** 1970년 5월, 데카는 우리가 두 번째 앨범 *The Polite Force*를 녹음할 수 있도록 윌스든의 모건 스튜디오를 예약해줬어요. 닐 슬레이븐(Neil Slaven)은 프로듀서로서 아주 훌륭했어요 – 특히 ‘Boilk’라는 긴 사운드 콜라주 트랙을 녹음하고 믹싱하는 데 있어서 그가 보여준 지도력은 대단했죠. 그 트랙은 기술적으로 가장 까다로운 곡이었거든요. 우린 잘 해냈다고 생각했고, 음악적으로 한 단계 도약한 느낌이었어요 – 특히 몬트의 미친 곡 ‘Contrasong’에 들어간 금관 편곡을 정말 좋아했어요. 그 곡은 앨범을 위해 특별히 쓴 곡이라서 라이브에서는 한 번도 연주한 적이 없었어요. 세션 연주자들과 작업해본 것도 처음이었는데, 꽤 흥분되는 경험이었어요.

예상대로, 데카에 대한 실망은 미들 어스 매니지먼트에 대한 실망과 다를 바 없었어요. 첫 앨범의 최소한의 홍보에 대해 항의하려고 홍보 책임자에게 전화했는데, 그의 비서는 ‘판매가 잘 안 돼서 더 이상 홍보 계획은 없다’고 말했어요. 몬트와 클라이브가 배경에서 낄낄대는 와중에, 저는 장난스럽게 “당신 상사는 바지 지퍼에 순간접착제를 좀 짜넣어야겠네요”라고 말했죠. 그게 우리의 상황을 더 나쁘게 했을 수도 있지만, 어쨌든 데카는 우리가 다음 무디 블루스(Moody Blues)가 될 밴드는 아니라는 걸 간파했던 거예요. 닐 슬레이븐이 나쁜 소식을 전해왔어요: 데카는 *The Polite Force*의 제작비를 댄 뒤, 그 앨범의 발매를 거부했죠.

정말 충격적이었어요. 데카에서 계약 해지당했다는 건, 업계에서 우리가 실패한 밴드로 보일 거란 의미였고, 이는 우리처럼 취약한 위치의 밴드에겐 치명적이었죠. 우리는 한참 동안 공중에 붕 떠서, 훌륭하게 만든 앨범을 의욕 없는 다른 레이블들에 들고 다니며 계약을 구걸하게 됐어요. 1970년 가을, 저는 스티브 힐리지에게 쓴 편지에서 이렇게 말했어요. “지금 Egg는 꽤 절박한 상태입니다 – 데카는 계약 해지를 허락했지만, 새 레코드 계약을 얻는 데 전혀 성공하지 못하고 있어요… 만약 조만간 계약을 따내지 못한다면 우리는 해체할 겁니다.”

그 상황은 몇 달간 계속됐어요. *Polite Force*는 5월에 녹음했는데, 10월까지 겨우 열두 번 정도의 공연밖에 하지 못했어요. 결국 우리는 데카에 다시 찾아가 LP를 내달라고 사정했고, 닐 슬레이븐도 휴 멘들과 대화하며 우리 편을 들어줬어요. 그게 통했던 모양이에요 – 데카는 요청을 받아들였고 11월 발매를 약속했어요. 실제로는 1971년 2월이 돼서야 나왔지만, 그때쯤엔 발매 자체만으로도 감사한 심정이었어요.

- 몬트:** 이 무렵 우리는 TV 프로그램 ‘Anatomy Of Pop’의 마지막 회에 출연 요청을 받았어요. 우리를 ‘진보적 팝의 미래’로 표현하려 했죠. 지금 생각하면 얼마나 틀렸는지 알겠어요 – 팝의 미래는 스타디움 록이었고, 그 뒤는 펑크였죠. ‘진보’가 아니라 점점 더 멍청해지는 ‘진보적 퇴보’였어요. 진행자는 지금도 여전히 젠틀한 마이클 파킨슨이었고, 음악학자 스티브 레이스의 해설도 있었어요. 우리는 ‘Long Piece no. 3’의 마지막 부분을 선택해 우리의 진보적 미래주의와 대단한 연주력을 보여주고자 했죠. 우리는 대형 카메라 트랙과 크레인 같은 장비에 둘러싸인 무대 위에서 연주했고, 데이브의 인트로 중에 프로듀서는 줌인으로 클로즈업했어요. 연주는 정말 훌륭했다고 생각했는데, 아무도 “브릴리언트!”, “음악 너무 좋았어요!”라고 말하질 않더군요. 마치 벽을 상대로 연주하는 느낌이 계속 들었어요.

- 그라운드호그 데이즈 (GROUNDHOG DAYS)**

- Dave:** *The Polite Force* 앨범이 발매된 후 상황이 좀 나아졌어요. 우리가 침체기에 빠져 있을 때, *Melody Maker*의 리처드 윌리엄스가 우리의 어려움을 상세히 다룬 기사를 써줬고, 그것이 에이전트와 매니저들로부터 연락을 받는 계기가 됐죠. 그중 하나가 그라운드호그스(The Groundhogs)의 매니저인 로이 피셔(Roy Fisher)였어요. 그의 회사가 우리에게 공연을 잡아줬고, 그게 우리 사기를 끌어올렸어요. 로이의 제안 중 하나는 그라운드호그스의 서포트 밴드로 투어를 도는 거였는데, 그들은 당시 꽤 큰 이름이었어요. 큰 관객들 앞에서 연주할 기회이긴 했지만, 우리 음악 스타일이 완전히 다르다 보니 이 투어를 해야 할지 말아야 할지 고민이 있었죠.

- Mont:** 저는 그때 정말 이해가 안 됐어요. Egg는 지적인 음악을 하는 밴드였고, 꽤 똑똑하고 교육받은 팬층(뭐, 아주 많진 않았지만)이 있었죠. 그런데 그라운드호그스는 헤비 블루스 록 밴드였고, 그들(훨씬 더 많은)의 팬은 헤드뱅어들이었어요.

- Dave:** 그래도 투어를 하길 잘했다고 생각해요. 밴드로서도, 연주자로서도 단단해졌거든요. 웨일스 밴드 퀵샌드(Quicksand)가 먼저 무대에 올랐고, 우리는 두 번째로 35분짜리 세트를 연주했어요. 반응은 나쁘지 않았고, 맨체스터 프리 트레이드 홀이나 애버딘의 뮤직 홀처럼 큰 공연장에서 연주하는 건 정말 멋졌죠.

- Mont:** 공연 자체는 기억이 잘 안 나요. 다만 토니 맥피(Tony McPhee)가 분장실에서 방귀랑 트림을 동시에 하는 장난은 기억나요.

- Dave:** 우리는 음악을 진지하게 대했지만, 동시에 아주 유쾌한 유머 감각도 있었어요. 가끔 코미디 곡을 넣곤 했는데, 이는 길고 복잡한 기악곡에서 잠시 벗어나 우리와 관객 모두에게 환기를 주는 역할을 했죠. 한 번은 글래스고의 *그린스 플레이하우스(Greens Playhouse)*에서 그라운드호그스의 오프닝 밴드로 공연할 때, 이 유머가 우리를 구해줬어요.

(* 훗날 글래스고 아폴로로 바뀐 이 공연장의 녹색 카펫에는 "It's Good, It's Greens"라는 문구가 새겨져 있었어요.)

그날은 분위기가 살벌했어요. 4천 명의, 술에 조금 취한 듯한 군용 코트를 입은 청년들이 ‘The Hogs’의 원초적인 록 사운드를 들으러 온 거였죠. 그런데 우리가 등장해서 ‘Long Piece no. 3, Part 3’를 조심스럽게 연주하기 시작하자, 그들 사이에서 반란의 기운이 감돌았어요.

곡이 끝나자 박수는 거의 없었고, 불만 가득한 중얼거림이 들렸어요. 바로 그때 무대 옆에 있던 알프가 소리쳤어요. “Seaside!” 우리는 그게 무슨 뜻인지 알았죠. 저는 해먼드 오르간의 '풀 비브라토' 탭을 누르고, 오래된 뮤직 홀 스타일 곡인 ‘I Do Like To Be Beside The Seaside’를 연주하기 시작했어요. 그 순간, 남성 관객 전원이 힘차게 따라 부르기 시작했고, 순식간에 분위기가 폭동 직전에서 친근한 파티 모드로 전환됐어요. 곡이 끝나자 엄청난 환호가 터졌고, 우리는 그 여세를 몰아 나머지 곡들을 후다닥 마무리했죠. 아마 그 치즈스러운 퍼포먼스가 없었으면 무사히 무대를 내려올 수 있었을지 의문이에요.

- Alf:** 공연에서 큰 트러블은 별로 없었어요. 스완지에서의 사건 외에는, 글래스고 *그린스*에서 있었던 일 정도가 기억나요. 공연 끝나고 밴 뒤에 짐을 싣고 있는데 어떤 남자가 다가와서 (이상한 스코틀랜드 억양으로) “너희 진짜 최고야, 너무 멋져, 밴드 완전 사랑해”라고 하더니, 다음 순간 저한테 덤벼들었어요. 방금 전까지 우리를 사랑한다던 사람이 갑자기 싸움을 걸어오더라고요. 결국 경호원이 와서 그를 끌고 갔어요.

- Dave:** 그 시절 공연 밴드들 사이에는 끈끈한 동료애가 있었어요 – Halcyon Order, Stray, Arcadium(우리가 자주 함께 공연했던 밴드), Quicksand, 그리고 Groundhogs의 피트 크루익섕크(Pete Cruickshank) 같은 사람들이었죠. 서로 음악 스타일은 달랐지만 공감대가 있었어요. 한 밴드는 우리 싱글 ‘Seven Is A Jolly Good Time’을 가지고 장난치기도 했죠 – “우린 7/4 박자로 연주할 수 있는 똑똑한 밴드라구요!” 하고 말이죠. 다 웃으면서 주고받은 장난이었어요.

물론 몇몇은 *Melody Maker* 표지에 자신들 사진이 나왔다고 해서 다른 사람들보다 잘났다고 생각했어요. 그런 잘난체하는 ‘록 귀족’ 태도는 알프한테는 안 통했죠 – 알프는 그런 자만심을 터뜨리는 데 능했어요. 1971년 3월 5일, 돈캐스터 탑 랭크 볼룸에서 Yes의 크리스 스콰이어가 흰 타조털 무릎 부츠를 신는 걸 보자 알프는 다가가 이렇게 말했어요. “그거 신고 나갈 거야? 농담하지 마, 씨X.” 두 밴드 모두 웃음이 터졌고, 크리스 스콰이어도 웃었던 것 같아요.

- 걸림돌과 빛났던 순간들 (HANG-UPS AND HIGHLIGHTS)**

> *“한때 우리는 밴에서 살았었지 > Janice, Liz, Anne이랑 같이 떠들고 다녔지 > 지금 돌이켜보면 꽤 즐거운 시절이었어 > 그래서 우린 그땐 별로 신경 안 썼다고 스스로를 속이곤 해 > 돈도 없고, 이런저런 걱정이 있었지만 말이야”* > — <A Visit to Newport Hospital> 중에서 (Stewart/Campbell)

- Dave:** 활발한 공연 활동이 간간이 있었음에도, 우리의 지속적인 문제는 공연이 너무 적었다는 점이에요. 돈도 없었지만 그건 별로 중요하지 않았어요. 우리는 매일 밤 공연하고, 매년 한 장씩 앨범을 내는 삶을 꿈꿨지만, 수요가 없었어요. 그게 결국 해체의 원인이 됐죠. 대중성을 위해 음악적 타협을 고려한다는 생각은 아예 해본 적도 없어요. 물론 ‘이론적으로’ 그런 타협이 팬층을 넓힐 수 있다고들 하지만, 그런 시도는 대개 실패로 끝나요. 차라리 진심에서 우러나오는 음악을 하고, 관객이 스스로 찾아오게 두는 게 나아요. 안 그러면 모든 게 엉망이 되거든요.

- Mont:** 젊었을 땐 밴드에 속해 있다는 건 곧 항상 거기 있어야 한다는 뜻이었어요. 작곡하든 리허설을 하든, 공연을 하든 말이죠. 그건 여가 활동이 아니라 인생의 최우선 순위였고, 삶 그 자체였어요. 그러니 정체성, 자아 이미지, 삶의 목적 같은 것들과도 밀접하게 연결돼 있었죠.

- Alf:** 제게는 그게 소명 같은 거였어요. 삶의 방식이었죠. 직업이라고 느껴본 적은 없어요. 그 당시 제 인생에서 하고 싶은 일이었을 뿐이에요. 음악 산업 자체엔 별 관심이 없었어요 – 오히려 그 세계가 정말 짜증났죠. 사업적인 관계 같은 건 제겐 중요하지 않았어요. 중요한 건, 제가 진심으로 좋아하고 애정을 갖는 음악에 참여하고 있다는 사실이었어요.

- Mont:** 제 커리어에서 가장 좋았던 순간은 소프트 머신과 한 무대에 섰던 거예요. 래드브룩 그로브 근처 로열티 극장에서요. 거기서 런던에서 가장 매력적인 여성으로 꼽히던 캐롤라인 쿤이 저를 눈여겨보던 순간도 기억나요. 저는 공연보다 녹음이 훨씬 즐거웠어요. 더 많은 통제권이 있었고, 여러 번 시도할 수 있었으니까요 (특히 보컬 관련해서는!). 그래서 앨범 세션은 제게 정말 좋은 추억이에요. 사실 Egg에 있던 동안 제가 가장 좋아했던 건 제 방에서 피아노에 앉아 곡을 쓰는 시간이었어요. ‘내가 뭘 써도, 밴드가 그걸 연주해줄 거야’라는 확신이 주는 그 기분… 정말 대단했죠. 작곡은 제게 언제나 가장 마법 같은 순간이었어요.

- Dave:** 공연도 정말 즐긴 적이 많았어요. 어떤 공연에선 정말 예상치 않게 큰 호응을 받기도 했고요. 특히 돈캐스터 탑 랭크 볼룸에서 Yes의 오프닝을 했을 때 반응이 정말 놀라웠어요. 헤드라이너인 Yes보다 우리에게 더 큰 박수가 쏟아졌을 정도였죠. 한 번은 Lyceum Ballroom에서 점심시간 공연을 했는데, 200명 정도 올 줄 알았는데 천 명이 몰려왔어요. 모두 바닥에 앉아 조용히 집중해서 듣더라고요. 환상적인 공연이었죠. 포토벨로 로드의 일렉트릭 시네마에서도 공연했는데, 우리의 셋이 끝난 뒤엔 오래된 <뮌하우젠 남작의 모험> 영화가 상영됐어요 (테리 길리엄의 80년대판이 아님). 달과 지구 사이를 떠다니는 해마 함대가 나오는 장면이 정말 황홀했죠. 그 장면에 깔린 음악은 당연히 홀스트의 ‘토성(Saturn)’이었어요.

우리가 자주 찾았던 공연장은 레드힐의 Greyhound 펍이었어요. 처음 연주했을 때 방이 꽉 찼었고(사실 방이 작았죠), 주인이 언제든 다시 오라고 했어요. 우리는 그 말을 곧이곧대로 믿고 정기적으로 갔어요. 항상 반응이 좋은 관객이 모였고, 덕분에 새로운 아이디어를 실험할 수 있는 테스트 무대가 됐죠. 초기 시절 Roebuck에서 그랬던 것처럼요. 클라이브가 부서진 심벌 교체 비용 30파운드가 필요할 때마다 Greyhound 공연을 잡곤 했어요.

- Clive:** 레드힐에선 PA 스피커 두 세트를 세팅했어요. 하나는 앞쪽, 하나는 뒷쪽에요. 스테레오는 아니었지만, 관객 전체를 둘러싸는 사운드였죠 – 일종의 ‘서라운드 사운드’라고 할 수 있어요. 꽤 효과적이었어요. 알프가 만든 ‘거울 숙녀(mirrored lady)’도 활용했죠. 샵 마네킹에 유리 타일을 붙여서 회전판 위에 올려놓고 조명을 반사시켰어요.

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1. 1. 📌 감사 인사 (Thanks Department)

- Thanks to:**

Antony Vinall, Terry Yetton, Barbara Gaskin, Janice Brooks, Gill Emmins, Peter Ball, Aymeric Leroy, Andy Garibaldi, Nick Loebner, Simon Lowman, Mick Dillingham, Todd Dillingham, Mick Capewell, Phil Little, Paul Lewis, Neil Slaven, Richard Williams, 그리고 고(故) John Peel

- Special Thanks to:**

Noel Sidebottom – 탁월한 기록 보관자, 도덕적/기술적 지원에 감사 David Carruthers – 양심 있는 홈 레코더 Bill Jellett – 어디에 계시든 감사합니다

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1. 1. 📸 사진 및 아트워크

- 표지 디자인: Mike Inns - 표지 사진 (Tenby 해변의 Egg와 Alf): 현지 주민이 촬영 - CD 북클릿 사진 (뒤표지 제외): Terry Yetton - 공원 벤치에서의 Egg 사진: Terry Yetton - Clive, Alf, 밴 사진: Janice Brooks - 북클릿 텍스트 정리/편집: Dave Stewart - 텍스트 레이아웃: Karen Gladwell - 아트워크: Mixed Images Ltd.

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- 테이프 전환: Noel Sidebottom - 오디오 복원 및 CD 마스터링: Phil Chapman (A Major Studios, London) - 디지털 전송: Floating Earth, London

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1. 1. 💿 트랙리스트 (The Metronomical Society – Egg)

1. While Growing My Hair (Campbell) 2. Seven Is A Jolly Good Time (Campbell / Stewart) 3. Germ Patrol (Campbell / Stewart) 4. Enneagram (Campbell)* 5. Long Piece no. 3, Part 2 (Campbell) 6. Long Piece no. 3, Part 4 (Campbell) 7. There's No Business Like Show Business (Berlin) 8. Blane Over Camden (Stewart) 9. Long Piece no. 3, Part 3 (Campbell) 10. Wring Out The Ground (Loosely Now) (Campbell) 11. McGillicuddie The Pusillanimous (Campbell) 12. I Do Like To Be Beside The Seaside (Glover-Kind)

(*) Dave Stewart의 소재 포함

- 녹음 정보:**

- 트랙 1, 2, 3, 4, 7, 10, 11: 1969~1972년 라디오 방송에서 녹음 (Clive Brooks, David Carruthers, Andy Garibaldi) - 트랙 5, 6, 8, 9: 1972년 7월 9일 Chalk Farm, Roundhouse에서 라이브 녹음 (David Carruthers) - 트랙 12: 1971년 12월 5일 Wolverhampton Civic Hall 라이브, 익명 청중에 의해 녹음

- 연주자 전원:**

- Dave Stewart: 오르간, 전자/어쿠스틱 피아노, 첼레스타, 하프시코드, 톤 제너레이터 - Mont Campbell: 베이스, 보컬 - Clive Brooks: 드럼

4 같이 보기[ | ]

5 참고[ | ]