Related Styles

6. 관련 음악 양식들(Related Styles)

translated by Kim Seong Woo, libero (mailto:swkim@gaia.kaist.ac.kr)

음악의 모든 분야에서 점점 더 아이디어들의 교환이 이루어지고 있다.
서로 다른 사람들이 만나게 될 것이다. 음악은 더욱 음악같아지고, 음 악의 한 부분을 분류하는 것은 더욱 더 어려워지고 있다.[원주 1]

There is going to be more and more trading of ideas in all areas of music. Different people will be meeting each other. Music is getting more like music, and it's getting harder and harder to categorize a piece of music.

1970년 경에 Livin' Spoonful의 Joe Butler에 의한 이러한 비평은 대중 음악, 특히 1960년대 후반과 70년대 초반의 대중음악에 대한 분류들이 얼마 나 제멋대로였는지를 암시한다. 클래식, 재즈, 포크, 락, 그리고 동양적인 음악 스타일들이 새롭고 통일된 형태로 흘러들어가려는 모든 지류였다는 것 이 당시의 일반적인 믿음이었다. 아마 그 세대의 주요한 전위(avant-garde)
음악 작곡가인, 적어도 Karlheinz Stockhausen와 같은 인물이 출현의 끝에 있는 범세계적인 음악에 관해 얘기했었다. 물론 그런 양식은 결코 나타나지 않았다. 1966-70년의 통일된 젊은 문화가 많은 별개의 소문화(subculture)
들로 분열(分裂)되도록 운명지워졌었다. 또한, 레코드 회사와 락 저널리스 트들은 분류와 구분에 대한 그들의 고집으로써 이러한 이상의 사망(死亡)에 기여했다. 전자는 특정한 형태의 녹음된 산물과 함께 레코드 구매의 특정 계층을 표적으로 하는 목적으로, 후자는 이데올로기적인 목적으로였다.

사실, 저널리스트들과 음악 산업 경영자들은 대중 음악의 굳어진 소분류 들에 대한 환상(나중에는 진실이 된)을 만들어내는 일을 잘해 냈다. 즉, 이 러한 사실 이후에 1960년대 말과 70년대 초의 음악을 접한 사람들이 Yes와 Black Sabbath - 또는 Pink Floyd와 Paul Simon, 또는 Nice와 Sammy Davis, Jr -가 한 무대를 나눠쓸 수 있었으리라고 믿기는 어려웠다. 하지만 그들은 했었고, 이런 연유로 프로그레시브 락 연구에서 지금의 경우보다도 훨씬 더 서로 밀접한 관계를 가진 것으로 이해되었던 헤비 메틀, 재즈락, 그리고 포 크락과 같은 음악양식을 무시하는 것은 매우 위험한 것이다. 그러면, 이 장 에서 프로그레시브 락과 이와 어느 정도 겹치는 많은 쟝르들과의 관계를 검 토할 것이다. 이런 식의 비교가 프로그레시브 락의 본질적인 특성을 보다 분명하게 밝혀줄 것이라고 믿는다.

1 # 영국 재즈락 퓨전

(English Jazz-rock Fusion)

영국 재즈락 운동은 프로그레시브 락 운동과 거의 동시인 1960년대 후반 기동안 일어났다. 이 시기에 두 스타일간의 차이는 종종 뚜렷하지 않았다.
예를 들면, '재즈락'이라는 용어는 재즈, 리듬앤블루스, 그리고 초기 프로 그레시브 락 요소들을 혼합한 기교파 드러머 John Hiseman이 앞장선 5인조 밴드인 콜롯세움(어떤 비평가는 그들의 Those Who Are about to Die Salut You LP를 John Coltrane과 Procol Harum의 개념적인 연결로서 묘사했다.), 재즈, 소울, 그리고 포크적 요소를 끌어냈던 오르간주자 Steve Winwood이 이끈 그룹인 Traffic, Chicago나 Blood, Sweet, and Tears 같은 미국 그룹 들의 초기 음악과 유사한 빅 밴드 "재즈팝" 퓨전을 개발했던 7인 앙상블인 IF, 그리고 심지어는 1969년 "21st-century Schizoid Man"에서 하드 밥과 프리 재즈 요소들을 영국 락의 주류로 끌어내는 데 싹을 틔운 King Crimson 등과 같이 다양한 밴드들에 적용되었다. 그러나, 1970년대 초에 두 가지 분 명한 지류들이 영국 재즈락 씬에서 발전하고 있었다.

우선, 놀라운 영국 기타리스트 John McLaughlin에 의해 주도된 다국적 그룹인 Mahavishnu Orchestra에 의해 개척된 헤비 재즈락 퓨전이 있었다.
Mahavishnu Orchestra의 퓨전 스타일("재즈락"이 언급될 때, 종종 사람들이 자동적으로 생각하는 것)은 연주 중심의 상당히 전자적(락 악기편성 자체를 기초로)이고, 무서운 템포와 기교적인 솔로연주로 특정지어진다. 이 스타일 은 특별히 1970년대 중반에 유행되었고, 영국에서 Brand X, Colosseum II (그 세대의 가장 무시못할 유러피언 드러머라고 해도 무리없을 Jon Hiseman 에 의한 또다른 밴드), Isotope, 그리고 영국 기타리스트 Jeff Beck과 체코 키보디스트이며 Mahavishnu를 거친 Jan Hammer 와의 공동 작품 등의 음악을 통해서 나타났다.

영국 퓨전 씬에 필적하는 것은, 캔터베리 스쿨(Canterbury school)이었는 데, 이는 1960년대 말의 캔터베리 언더그라운드로부터 발생한 더욱 독특한 영국 재즈락 스타일의 전달자들을 말한다. 캔터베리 밴드의 종자(種子)인 the Wilde Flowers는 결코 앨범을 내지 않았지만, 많은 멤버들이 캔터베리 씬의 가장 오래 지속된 두 단체, Soft Machine과 Caravan에 기여했다. 두 밴드들은 그들의 첫번째 앨범을 1960년대 말의 싸이키델릭이 절정인 시기에 발매했다. 그리고, 1980년대 초반까지 활동하였다. William S. Burroughs의 포르노그래피적인 SF 여행담으로부터 이름지어진 Soft Machine은 영국 재즈 락 연주 방식을 확립하는데 특히 영향을 미쳤다. 이 스타일은 그들의 1970 년과 71년 발표작 Third와 Fourth앨범에서 가장 잘 나타나고, 이상한 구조, 느긋한 템포, 밀도있고 복잡한 전개를 강조하는 "빅 밴드" 스타일, 그리고 싸이키델릭의 유산을 다르게 나타낸 전위적인 전자 음악에의 관심들을 모두 뒤섞는다.

캔터베리 바깥에서 결성된 나중의 많은 밴드들은 그들이 Soft Machine 또 는 Caravan의 멤버에 의해 결성되었던지, 또는 이런 그룹들로부터 명백하게 영향받았기 때문에 "캔터베리 밴드" 라는 딱지가 붙는다. 이런 느슨한 의미 에서, 캔터베리 스타일의 주요 연주 그룹들은 Gong(Soft Machine의 본래 라 인업에서의 멤버였던 Daevid Allen에 의해 만들어진, 오래 지속된 그룹), Matching Mole (Soft Machine출신의 Robert Wyatt에 의해 결성된 그룹), Soft Heap(또다른 Soft Machine의 부산물), 그리고 Quiet Sun 을 포함한다.
키보디스트 Dave Stewart와 Alan Gowen이 주요한 역할을 담당했던 Egg, Hatfield and the North, National Health와 Gilgamesh와 같은 몇몇 그룹 들은 또한 종종 "캔터베리 스타일"을 대표한다고 간주되었다.

캔터베리 밴드들의 과거 기사보도에서 주된 문제는 작가들이 특히 초기 캔터베리 밴드들이 서로 아주 다른 사운드를 종종 낼 때 "캔터베리 스타일"
이라고 암시하는 경향이 있었다는 것이다. 노래와 연주에 대한 중점은 폭넓 게 다를 정도였다. 예를 들면, Soft Machine은 일찌기 완전한 연주 밴드로 서 그들의 경력을 갖는 반면에, Caravan은 그들의 존재기간 동안 팝송에의 강한 관심을 유지했다. 더구나, 아무도 Yes, Genesis, 또는 ELP의 음악과 Soft Machine 또는 Gong(어떤 비평가가 신비 여행 Beatles, Bonzo Dog Band , Colosseum, King Crimson, 그리고 Frank Zappa의 Mothers of Invention의 혼재라고 묘사했던 별난 절충적인 밴드)의 음악을 혼동할 것 같지 않지만, 다른 초기 캔터베리 밴드들의 음악은 이미 논의된 프로그 레시브 락 사운드 와 상당히 가깝다. 예를 들어, Caravan의 데뷰 앨범은 Yes와 Genesis의 초기 음악과 비슷한, 꿈꾸는 듯한 포크/락/클래시컬 퓨전을 보여준다. 이 그룹이 그들의 나중 앨범들(특히, 1972년에서 74년 사이의 아주 성공적인 레코딩들)에 점차 재즈락 요소를 끌어들인 반면에, 그들의 노래 중심의 산 물(産物)은 Soft Machine의 원숙한 레코딩의 재즈락 연주와는 결정적으로 다르다. 마찬가지로, Egg의 음악은 Nice 또는 ELP 의 오르간 트리오 방식에 반해 난해하고 더욱 실험적인 대안을 제시한다.

어느 정도 더욱 쉽게 인식할 수 있는 "캔터베리 스타일"이 나타난 것은, 1970년대 중반 뿐이었다. 이 시기에 나타난 캔터베리에 영향받은 많은 밴드 들 - Quiet Sun, Hatfield and the Nirth, National Health, Gilgamesh, Soft Heap, 그리고 Bruford - 은 절충적이고, 때때로 변덕스럽고, 하드 퓨전, 프로그레시브 락, 그리고 Soft Machine과 Caravan의 유산을 입은 탁월한 퓨전 연주의 가락을 창조해냈다. 대부분의 비평가들이 캔터베리 "스타일"을 논의할 때 언급하는 것은 바로 이런 형태의 사운드였고, 심지어 Soft Machine과 Caravan과 같은 캔터베리 밴드의 종자들도 1970년대 중반에 이런 방식을 적용했다는 것을 인정해야만 한다. 그럼에도 불구하고, 예외는 있었다. Henry Cow의 처음 두 앨범들은 종종 캔터베리 락의 예로 인용되나, 프리 재즈와 전위적인 고전 음악이 스며든, 이 밴드에 의해 개발된 비정상 적으로 밀도있고 때때로 혼돈스런 사운드는 이런 분명히 복잡한 스타일의 표준들에 의해 심지어 둘둘 말린다.(Henry Cow는 후에 다른 밴드인 Slapp Happy와 합해지고, In Praise of Learning과 같은 앨범들에서 Gentle Giant 보다도 심지어 더 복잡하고 괴상한 프로그레시브 락의 가락들을 개척하여 나아간다.) 반대로, 같은 기간 동안 캔터베리 그룹으로 보통 생각하지 않는 Ian Carr의 Nucleus 같은 밴드들은 Soft Machine의 1970년대 초반의 음악과 꽤 유사한 사운드를 개발하였다.

캔터베리 사운드가 1970년대 중반기 동안 점차 퓨전 중심으로 되었을지라 도, 캔터베리 뮤지션들은 "재즈" 연주자들로 분류되는 것에 대해 종종 좋아 하지 않았다. Bruford에 있었던 시기에, 키보디스트 Dave Stewart는 다음과 같이 언급하였다.

미국인에게, "락"이라는 말은 약간 다른 걸 의미하죠. 제가 락을 말할 때 는, 비트 뮤직을 의미합니다. 드럼을 사용하는 것이죠. 사람들은 Bruford 를 재즈라고 합니다. 우리들에게는 그건 락입니다. 우리들은 항상 재즈로 분류되는 것과 싸웁니다. 저는 재즈 뮤지션으로 분류되는 것을 싫어해요.
저는 락 뮤지션이길 좋아하죠. 그것이 제가 항상 그래왔던 겁니다. 제 의 미는, 저는 별난 락 뮤지션이라는 겁니다.[원주 2]

영국 재즈락 밴드들의 음악 - 캔터베리 또는 다른 퓨전이든 간에 - 은 많은 공통된 특성을 공유한다. 악기 편성에는 두가지 주요한 방식이 있다. 첫번 째는, 몇몇 리드 및 브라스 연주자들이 락 리듬 섹션과 아마 기타리스트에 덧붙여진 "빅 밴드" 방식이 있다. 이 방식은 IF의 초기 앨범들, Soft Machine의 Third와 Fourth LP들, 중반기 Caravan, Ian Carr의 Nucleus, 그리고 특히 Keith Tippett의 Centipede Orchestra(사실 몇몇 멤버들이 Soft machine의 Third와 Fourth 앨범에 참여했었다)에서 예시된다. 두번째 는, 기타, 키보드, 베이스와 드럼에 부가적으로 색소폰이나 전자 바이올린 독주주자로 구성된 Mahavishnu Orchestra에 의해 유행된 락 기반 악기 편성 이 있다. 후기 캔터베리 밴드들 대다수는 사실상 이 방식을 따랐다. 구조적 으로, 많은 재즈락 곡들은 하나 이상의 간주(ritornello) 또는 "머리" 부분 - 복잡한 유니즌(unison)이나 잘 연습된 대위(對位, counterpoint)적인 연주로 구성된 미리 작곡된 악절들 - 과 긴 즉흥 솔로를 번갈아 연주한다.
이러한 후자의 부분들은 보통 아주 절분(切分, syncopated)된 베이스 오스 티나토(ostinato, 역주: 같은 음성이나 악기, 같은 피치로 지속적으로 반복 되는 짧은 악절)와 키보드나 기타에 의해 제공된 단음(斷音, stacatto)의 화음 반주로 닻을 올린다. 그 위에, 독주 연주자는 긴 뾰족한 주 선율들을 그린다. 보컬 부분이 있을 때는, 대다수 대중적인 노래들에 공통적인 합창 형태로 주어지기보다는 차라리 종종 처음부터 끝까지 작곡되어진다.(즉, 비 반복적이다.) 드럼 부분들은 장비의 낮은 반보다는 오히려 스네어(snare), 심벌즈(symbals), 그리고 하이햇(high hat)을 몹시 강조하였는데, 엄격하게 휘몰아치며, 여전히 복잡하다. 비균형적인, 변화하는 박자(meter)는 아주 초기때부터 이 쟝르의 일부분이었다. Soft Machine의 베이시스트였던 Hugh Hopper는 "Soft Machine의 Mike Ratledge는 'Slightly All the Time' 과 'Out-Bloody-Rageous'와 같은 잘 편곡된 곡들에 대해, 11, 13, 그리고 15화 음들을 제안했어요. 한 미국 뮤지션은 Ratledge의 악보에 대해 "당신들은 Einstein과 합쳤음에 틀림없다!"라고 덧붙였죠." 라고 언급한다. (심지어, Third 앨범에서 Hopper 자신의 곡 "Facelift" 는 거의 7화음이다.)[원주 3]

하드 퓨전과 캔터베리 락은 결국 템포와 음구조에서 달랐다. 무서운 템포 는 하드 퓨전의 주요소었고, 반면에 Soft Machine과 추종자들은 일반적으로 더 차분한 템포들을 선호했다. 후기 캔터베리 밴드들은 두 방식 사이를 번갈아 취하는 성향이었다. 마찬가지로, 하드 퓨전은 기교적인 솔로를 위해 서, 복잡한 편곡을 희생하는 경향이었고, 반면에 캔터베리 밴드들은 심오한 합주(ensemble interplay)와 (특별히 1960년대 후반과 70년대 초반) 전위적 인 전자 음악 삽입부(episode)를 강조하는 경향이었다. 이것은 켄터베리 스쿨이 기교를 만들지 않았다는 얘기가 아니다. 키보디스트 Mike Ratledge, David Sinclair, 그리고 Dave Stewart의 작품은 잘 알려진 프로그레시브 락 의 삼두마차인 Keith Emerson, Rick Wakeman과 Patrick Moraz의 작품과 유익하게 비교되고 대비되어진다. Ratledge의 독주주자로서의 작품은 특히 대표적이다. John Coltrane의 후기 선법(mode)적 스타일에 깊은 영향을 받아, 그의 독주는 "반음계적인(chromatic) 턴과 작은 선율의 동기들, 변화 하는 빠른 진행과 길게 잡힌 음표들"을 결합한다.[원주 4] 캔터베리 씬은 상당한 화음적 깊이의 세계적 수준의 기타리스트 Allan Holdsworth, 비상한 베이스 기타리스트 Hugh Hopper, 그리고 몇몇 뛰어난 리드(reed) 주자들 중 특별히 언급될 만한 Elton Dean과 Jimmy Hastings 등을 배출해냈다.

영국 프로그레시브 락은 그 시대 다른 어떤 쟝르보다도 더 재즈락과 밀접 하다(포크락의 가능한 예외를 가진다). 이것은, 둘 다 그렇게 많은 공통된 양식상의 성향들을 가지기 때문이다. 두 쟝르는 긴 곡들, 박자상의 기교, 그리고 반복된 오스티나토 형태 또는 코드 진행 위에 전개되는 긴 독주에 많은 강조점을 두었다. 두 스타일들은 기교적인 독주를 높이 평가했다.
조금 차이가 있다면, 재즈락에서의 기교적인 연주의 강조는 심지어 프로그 레시브 락에서보다 더 컸다. 둘 다 유아기에 재즈로부터 영향을 받았지만, 재즈 영향은 재즈락에서 더 강했고, 동시에 프로그레시브 락에서 강한 고전 적인 성향을 보여줬다. 프로그레시브 락의 클래시컬한 요소들이 종종 건반 주자들에 의해 삽입된 것처럼, 재즈적인 요소들은 보통 목관 악기 전문 주자들을 가진 그룹들, 즉, King Crimson, Gentle Giant, Van Der Graaf Generator, 그리고 Jethro Tull(예를 들어, Ian Anderson의 플륫 스타일의 많은 수법들은 재즈 플륫티스트 Roland Kirk를 본받은 데 기인한다) 등의 음악에서 가장 분명해졌다.

하지만, 어떤 재즈에서 파생된 성향들은 전 프로그레시브 락 운동에 스며 들었다. 긴박한 전진적인 운동감을 만들어 내는데 자주 사용된 절분된 리듬 형태들은 재즈 유산을 다르게 나타낸 것이다. 앞에서 쓰여졌듯이, 프로그레 시브 락의 리듬 구성법은 재즈와 다른 아프리칸-아메리칸 스타일로부터 도 출된 리듬 형성과 유럽 음악들로부터 도출된 박자 형태들과의 융합으로 생 각할 수 있다. 프로그레시브 락 연주자들에 의해 유니즌으로 연주되는 들쑥 날쑥한 선율적인 악절들 - 진행음으로서 사용된 두드러지게 평탄한 5화음과 7화음들과 함께 종종 5음계적인(pentatonic) 외형 - 은 재즈로부터 빌려온 것을 보여준다. 특별하게 영향받은 이런 종류의 악절 예는 King Crimson의 "21st-century Schizoid Man"의 Mingus 같은 중간 연주 부분에서 발견될 수 있다. 결국, 몇몇의 프로그레시브 락 밴드들(King Crimson, Van der Graaf Generator, Henry Cow)의 섹소폰 주자들 중에는 1960년대 초반의 프리 재즈 (그리고 특히 Ornette Coleman)의 영향을 분명히 받은 들쑥날쑥한 무조(無 調, atonal)적인 악절의 분출과 함께 주된 구조적 연결점들의 예리한 느슨 함에의 분명한 열정이 있었다. Allan Moore는 불합리하지 않게 제시하길, 어떤 프로그레시브 락에서는 (그는 특별히 King Crimson과 Van der Graaf Generator를 골랐다) "프리 재즈의 생소함과 환상적인 요소들이 기묘한 느 낌을 강화시키기 위해 결합했다... 이런 상상으로 의지하는 것은 오히려 임 박한 운명의 '공포(gothic)'감에 얽매인다."[원주 5]라는 것이다.

두 스타일 간의 양식적인 유사성들 때문에, 많은 프로그레시브 락 뮤지션 들은 재즈락 분야에서 일하기 위해 가거나, 그반대의 경우도 마찬가지이다.
U.K.의 본래 라인업의 해산 이후, 드러머 Bill Bruford는 자신의 이름을 딴 퓨전 그룹을 결성하기 위해 가버렸고, 1970년대 후반에 3장의 앨범을 발매 했다. 캔터베리 씬의 두 베테랑들인 Dave Stewart와 Allan Holdsworth는 캔 터베리에 영향받은 주요 밴드들 중 마지막으로 생각할 수 있는 Bruford의 그룹에서 두드러진 활약을 했다. 1970년대 후반에 발매된 키보드 주자 Patrick Moraz(Refugee, Yes, the Moody Blues)의 세 솔로 앨범들 역시 분 명한 퓨전 성향을 보여준다. Phil Collins(Genesis)는 1970년대 후반기 동 안 영국의 가장 주도적인 퓨전 밴드들 중 하나인 Brand X를 위해 드럼에 앉아서 프리 타임을 보냈고, Pink Floyd의 드러머 Nick Mason은 Anglo- Gallic 단체 Gong(the Nice의 드러머였었던 Brian Davidson 또한 이 밴드에 잠깐 나타났다)을 위해 한 앨범을 프로듀스했다. Curved Air를 떠난 이후, Darryl Way는 더욱 퓨전 중심의 Wolf를 결성했다. 베이시스트/보컬리스트 Mike Wedgwood는 Caravan에 들어가기 위해 Curved Air를 떠났다. 이런 교차는 종종 반대 방향으로도 작용했다. 베이시스트/보컬리스트 Richard Sinclair는 Hatfield and the North의 해산 이후 Camel에 합류했고, Soft Machine과 Gong과 같은 주요 캔터베리 밴드들에서 재즈락 기타리스트로서 명성을 날린 Allan Holdsworth는 U.K.의 결성 멤버였으며 그 밴드의 첫번째 앨범에 나타났다.

프로그레시브 락과 재즈락 스타일 간의 교차점이 1970년대 말에 더 분명 하게 되었을지라도 - 특히 첫번째 U.K. 앨범은 이런 경향을 예시한다 - 두 쟝르는 그들의 유아기부터 밀접하게 관련되었었다. 심지어, Pink Floyd와 Soft Machine이 1967년에 런던의 UFO 클럽에서 함께 나타났을 때, 두 밴드 가 결국 다른 스타일의 길로 발전될 거라는 것이 전혀 뚜렷하지 않았다.
1970년 이후에도, 프로그레시브 락과 재즈락이 분명히 다른 방향으로 발전 되기 시작했을 때, 두 스타일의 청중들은 여전히 상당할 만큼 중복되었다.
이 분야의 주된 차이점은 일반적으로 재즈락 밴드들과, 특히 캔터베리 그룹 들은 앞서있는 프로그레시브 락 밴드들의 거대한 청중들을 가지지 못했다.
캔터베리 그룹들은 주요 프로그레시브 락 밴드들이 연주회장과 스타디움 에서 연주하기 시작한 후에도 한참동안 클럽과 작은 곳에서 연주하기를 계속했다. 그리고, 후자의 밴드들이 할 수 있었던 대서양을 가로지른 공연 의 기회는 거의 없었다. 추측할 수 있듯이, 주요 프로그레시브 락 밴드들의 사치스런 스테이지 쇼들은 완전히 캔터베리 그룹들의 재량 밖이었다. 한 가지 가능한 예외는 1960년대 말의 초기 싸이키델릭 단계의 Soft Machine 일지도 모르는데, 그 때 그들은 소용돌이치는 유동효과로 알려진 라이트 쇼 디자인의 혁신가인 Mark Boyle을 고용했을 때이다. Soft Machine은 Boyle의 쇼를 해협을 가로질러 프랑스 (그들이 특히 인기있었던 곳)와 암스테르담 같은 다른 지역의 발전하는 대륙의 장소에서 행했다.

프로그레시브 락과 재즈락 사이에는 스타일과 청중이 중첩되기 때문에, 어떤 대중 음악 해설가들은 두 쟝르를 ELP, Yes, Genesis 등의 "심포닉" 또 는 "고전적인(classical)" 프로그레시브 락과 Soft Machine같이 더 재즈에 기반한 "캔터베리 프로그레시브 락"을 모두 취한 "프로그레시브 뮤직"이란 스타일의 부분들로 쉽게 분류하기까지 했다. 그럼에도 불구하고, 두 스타일 간에 수많은 주된 차이점이 있으므로, 프로그레시브 락과 브리티쉬 재즈락 퓨전을 두 확연한 스타일들로 분류하는 것이 정당화된다고 믿는다. 재즈락 은 서정적인 선율들을 중시하지 않는데, 심지어 프로그레시브 락에서조차 비정상적인 정도까지이다. 마찬가지로, 프로그레시브 록에서는 유례가 없는 특별한 조밀함이 캔터베리 락에는 있다.(Gentle Giant의 음악은 따로 남겨 둔다) 두 스타일 간에는 화성적 문법의 큰 차이가 있다. 재즈락의 화성법은 더욱 반음계적(chromatic)이며, 풍부하고, 더욱 많은 아홉번째, 열한번째, 열세번째 코드들(종종 변화된 음표들과 함께)을 특징으로 하며, 반면에 프 로그레시브 락의 화성법은 더욱 선법적이고, 더욱 독점적으로 3화음적이고, 그리고 일반적으로 더욱 엄격하다.[원주 6]

더군다나, 프로그레시브 락과 다르게, 재즈락에서는 고전적인 전통 또는 민속 음악에 의한 특정한 영향이 거의 보이지 않는다. 멜로트론의 심포닉한 음색화(tone coloring)는 재즈락에서 거의 존재하지 않고, 해몬드(Hammond)
는 파이프 오르간 대용으로 거의 쓰이지 않는다. 심지어, 프로그레시브 락 키보드 스타일의 중요한 부분인 풍부하고 지속적인 코드적 배경들은 재즈락 에서 보통 두드러지지 않는다. 캔터베리 밴드들의 키보디스트들은 자주 왜 곡된 리드 악기(Mike Ratledge, Dave Sinclair) 또는 전자 기타(Dave Stewart)의 사운드를 불러내기 위해 퍼즈 박스를 통해 해몬드 오르간을 종종 연주한다. 어쿠스틱 피아노와 기타는 프로그레시브 락에서보다 재즈락 에서 분명히 덜 다룬다. 그리고, 구식 악기들은 거의 등장하지 않는다.
반면에, 프로그레시브 락에서 비교적 중요하지 않은 종과 같은 Rhodes 전자 피아노와 같은 악기들은 재즈락 사운드에서 주요한 역할을 한다.

두 쟝르간의 악기 편성과 음색(音色, tone color)에서의 이러한 차이들은 또한 곡구성에서의 차이를 가져왔다. 주로 전자적인 재즈락은 구성상의 고안으로 어쿠스틱과 전자 악절들의 병치를 거의 사용하지 않는다. 심지어, 재즈락 밴드들이 다악장의 조곡과 같은 계획된 형태를 이용할때, 심포닉 프 로그레시브 락의 정형화된 특징과 같은 급격한 무드 변화나 뚜렷이 주어진 남성/여성적 대비는 보통 존재하지 않는다. 이런 이유에서, 퓨전과 캔터베 리 밴드들의 음악은 거의 심포닉 프로그레시브 락 풍에 따른 우주적인 악절 들을 가진 것처럼 보이지 않는다.

이 마지막 관점에 관련된 사실은 프로그레시브 락과 재즈락 밴드들은 보 컬과 가사에서 결정적으로 다른 접근법을 특징으로 갖는다는 것이다. 많은 캔터베리 밴드들이 초기 공연무대에서 보컬을 이용했을지라도, 재즈락은 항 상 프로그레시브 락보다도 더 연주 위주였다. Soft Machine은 1971년에 순 수한 연주 단체로 되었고, Gong은 1970년대 중반이다. 심지어, 영국 재즈 락 밴드들이 보컬리스트를 이용할 때도, 많은 주도적인 영국 프로그레시브 락 밴드들에게 아주 중요했던 복잡한 세 부분 혹은 네 부분의 보컬 편곡은 거의 없었다. Caravan의 높게 항해하는 보컬 편곡은 이런 점에서 다소 캔터 베리 스쿨의 정형에 맞지 않는 것이다. (심지어, 주요 캔터베리 밴드들 중 Caravan은 아마 양식상으로 심포닉 프로그레시브 사운드에 가장 가까웠다)
몇몇 캔터베리 그룹들(즉, 소프라노 트리오를 가진 Hatfield and the North, "the Northettes")은 보컬을 음색적인 특성을 위해 주로 이용하는 성향이었 다. 의미심장하게도, 가사는 주요 캔터베리 그룹들의 앨범 자켓에 거의 쓰 여지지 않았다.

또다른 구별짓는 요소는 가사에 대한 밴드들의 태도를 포함한다. Soft Machine의 Robert Wyatt, Caravan의 Richard Sinclair, 또는 Gong의 Daevid Allen의 조금 익살스럽고, 비아냥거리는, 허무주의적(dadaist) 가사는 Yes, ELP, Pink Floyd, King Crimson과 그들과 견줄만한 그룹들의 가사에서의 지독한 진지함과는 극도로 대조된다. 캔터베리 락을 나타내주는 것 같은 익살스러운 경향은 곡제목에서도 또한 분명하다. 프로그레시브 락 그룹들이 "The Song of McGillicudie the Pusillanimous"(Egg), "(Big) John Wayne Socks Psychology on the Jaw"(Hatfield and the North), "Puffin"과 "Huffin"(Soft Machine에 의한 두 곡), "Hold Grandad by the Nose(Caravan 의 Nine Feet Under 조곡으로부터), 또는 "Mummy Was an Asteroid, Daddy Was a Small Non-Stick Kitchen Utensil"(Quiet Sun)라고 불리는 곡들을 작곡한다고 상상하기는 어렵다. 풍자적 경향에 의해 부풀려진 기발함의 의도는 Flying Teapot(1972), Angel's Egg(1973), 그리고 You(1974)의 세 앨범집으로 구성된 Gong의 대작 Radio Gnome Invisible 에 이르러 절정에 달했다. 확실히, 작곡가 Daevid Allen은 적어도 어느 정도 진지한 목적이었 다. 그 전집의 주인공인 Zero the Hero는 물질주의, 값싼 섹스, 마약, 그리 고 종교적 계획의 유혹에도 불구하고, 우주적 양심을 얻으려는 시도로 묘사 된다. 그래도 역시, 찻주전자 모양의 UFO를 타고 우주를 날아 행성 Gong에 도착해서 주전자머리의 작은 요정들에게 환영받는다는 주제로 된 곡을 만든 심포닉 프로그레시브 밴드들을 상상하기는 어렵다.(기발한 생각으로 부풀려 진 다른 캔터베리 SF 서사시인 National Health의 "Tenemos Roads" 는 목성 에서의 고대 문명을 다룬다.) 캔터베리 밴드들에 의한 이런 형태의 유머와 점잖은 풍자의 이용은 - Frank Zappa의 Mothers of Invention의 더 풍자를 빌어온 - 그들의 음악을 어떤 아이러니한 느낌으로, 이것은 그들의 가장 길고 복잡한 곡들에서조차 거의 심포닉 프로그레시브 락 풍을 따른 우주적 인 악절들을 가진 것처럼 보이지 않는다는 사실에 훨씬 더 기여한다.

주요 심포닉 프로그레시브 밴드들의 높은 이상을 발견한 많은 비평가들은 캔터베리 밴드들의 더욱 느긋하고 익살스런 기교를 오히려 참을 수 없을 만 큼 즐겼다. 더구나, 밀도있는 음구조(texture), 복잡한 편곡, 난해한 화음 발성, 그리고 교묘한 계략에의 유의점을 가진 이 스타일이 가장 좋은 의미 로는 전문가의 음악이었다. 영국 재즈락은 심포닉 프로그레시브 스타일보다 2-3년 더 유지했다. Brand X, National Health, 그리고 Bruford 같은 밴드 들은 ELP, Yes, 그리고 Genesis가 독창성의 정점을 지난 후인 1970년대 후 반과 1980년대 초반까지 독창적이고 활발한 레코딩 발매를 계속했다. (이런 맥락에서, Bill Bruford와 Allan Holdsworth은 더욱 재즈락적인 성향의 밴 드를 가지길 원했고, 반면 John Wetton과 Eddie Jobson은 더 전통적인 프로 그레시브 락 구성으로 되돌아가길 원했기 때문에, U.K.의 본래 라인업이 해 산되었다는 것을 주의하는 것은 흥미롭다.)[원주 7] 반면에, Yes, Genesis, Pink Floyd와 같은 밴드들의 음악은 재즈락에서 거의 부족한 어떤 핵심적인 요소를 가진다. 즉, 흥얼거릴 수 있는 멜로디들, 멜로트론(또는 온화한 해몬드)과 어쿠스틱 기타의 기분좋은 한쌍이 주된 역할을 하는 풍성한 편곡 , 극적인 클라이막스들, 그리고 결국 보컬의 강한 강세이다. 이러한 요소들 이 프로그레시브 락의 상업적 우세를 확인시키며, 이것의 부족은 대다수 캔 터베리와 퓨전 밴드들을 숭배(cult) 상태로 떠맡기게 하였다.

영국 포크락(English Folk-rock)

1960년대 말과 70년대의 영국 포크락은 50년대와 60년대의 포크음악 리바 이벌에서 직접 발생하였다. 이 쟝르의 지도 원리는 두 부분이었다. 하나는 전기 악기들을 전통 영국 민요와 - 더 드물게는 - 중세 및 르네상스 예술 음악과 같은 다른 형태의 고전 음악의 틀 안으로 도입하는 것이고, 다른 하나는 그 당시의 악기 편성법(instrumentation)을 이용하면서 민요의 전승 (傳承)을 반영하는 새로운 음악의 본체(本體)를 만드는 것이다. 이 쟝르의 주창자로는 Incredible String Band, the Pentangles, Fairport Convention, Steeleye Span, 그리고 Lindisfarne 이 있다.

영국 포크락과 영국 프로그레시브 락 사이의 가장 명백한 연계는 전기와 어쿠스틱 악기들의 병렬적인 배치(丙置)이며, 반면에 포크락 그룹들은 결코 당시의 프로그레시브 락 밴드들만큼 전자악기, 특히 전자 키보드들을 사용 하지 않았다. 두 스타일간의 또다른 연계는 다양한 수단으로서 전기/어쿠스 틱 양분법의 사용이다. 그러나 이 양분법은 포크락 밴드들에 의해 체계적으 로 자주 사용되지는 않았고, 프로그레시브 락에서의 상징적 반향을 포크락 에서 가지는 것 같지는 않다. 이러한 유사성들 때문에 심지어 잠재의식 수 준에서 주로 포크와 고전음악에 영향받은 프로그레시브 락 밴드들(Genesis, Yes, ELP)은 그들의 더욱 명상적이고 목가적인 음향의 악절들에서 때때로 영국 포크락 그룹들과 비슷한 사운드를 낼 수 있다.

더욱 특정한 관계는 영국 중세 및 르네상스 예술 음악에 직접 영향받았던 프로그레시브 락 그룹들 (주로 Jethro Tull 과 Gentle Giant) 과 Steeleye Span, Gryphon(크륌혼, 리코더, 하프시코드 및 다른 고악기들을 두드러진 특색으로 삼은 그룹)같이 이러한 관심을 공유한 영국 포크락 그룹들 사이에 명백하다. 중세 및 르네상스 음악의 영향은 고악기들의 사용에서뿐만 아니 라, 이런 그룹들이 때때로 썼던 마드리갈과 같은 아카펠라 보컬 악절들에서 분명하다.(즉, Jethro Tull의 "Songs from the Woods", Gentle Giant의 "On Reflection"과 Steeleye Span의 "Gaudete" 에서의 보컬 편곡들.)[원주 8] Jethro Tull의 Ian Anderson은 Steeleye Span의 Now We Are Six LP를 프로 듀스했다. 심지어, Anderson의 가는 비음의 어투는 대다수의 다른 프로그레 시브 락 리드 보컬리스트들이 선호하는 열린, 연속적인 높은 목소리(頭聲)
보다는 포크락 발성법을 훨씬 더 연상시킨다.[원주 9] 1970년대의 Steeleye Span, Gentle Giant, 그리고 특별히 Gryphon의 음악이 계기가 된 중세주의 (medievalist) 락 경향은 Dead Can Dance와 같은 밴드들에 의해 1980년대에 더욱 발전하였다.

여성 싱어들은 1960년대 초의 포크 뮤직 리바이벌에서 당시의 다른 락 쟝 르들보다 훨씬 더 명확하게 특정지어진다. 누구나 즉시 Joan Baez, Judy Collins, 그리고 Peter, Paul and Mary의 Mary Travers를 생각해보라. 이러 한 경향은 1970년대의 영국 포크락과 함께 계속되었는데, Sandy Denny (Fairport Convention), Jacqui McShee (the Pentangles), 그리고 Maddy Prior (Steeleye Span)와 같은 소프라노 싱어들로 명백히 특정지어진다.
물론, 프로그레시브 락에서도 몇몇 유명한 여성 싱어들이 있었다. 특별히 Renaissance의 Annie Haslam, Curved Air의 Sonja Kristina, 그리고 Henry Cow의 Dagmar Krause이다. (사실 Haslam의 맑고 높은 소프라노와 거의 어쿠 스틱한 악기편성에 의해 만들어진 많은 Renaissance의 음악들에서 포크락의 강한 징후가 있다.)

그럼에도 불구하고, 프로그레시브락은 주로 남성에 관한 일(male affair)
이었다. 여기서, 왜 이렇게 되었을지 생각해 보는 것이 적합하다. 왜냐하면, 프로그레시브 락 스타일은 헤비 메탈과 하드락이 아닌 방법으로 남성/여성 적인 음악적 대비에 기초하고, 다른 스타일들에 내재한 성차별(sexism)이 덜하기 때문이다. 여기에 몇가지 연관된 이유가 있는 것 같다. 먼저, 1960 년대와 70년대의 영국 락 문화는 주로 남성에 관한 일이었다. 여성들도 있었으나, 일반적으로 뮤지션, 공연 매니저, 기술자, 매니저, 엔지니어 또 는 프로듀서라기보다는, - 아내, 여자친구, 또는 광적인 여성팬(즉, 뮤지션 들을 위한 성적인 노리개)으로서 - 차라리 뒷전이었다. 반대로, 이것은 락 이 기술적인 요소를 강하게 가지고, 기술은 전통적으로 남성의 범주로 간주 되었다는 사실로부터 나온 것 같다. 과거 몇년 동안 변하는 것 같지만, 여성들은 사회적으로 그것을 피하도록 규정되어졌었다.

더구나, 일찌기 1950년에 David Riesman은 상당한 기교(virtuosity)와 난해함을 가지는 bebop과 다른 더욱 심오한 재즈 형태를 위한 청중은 압도 적으로 남성이었다고 지적했다.[원주 10] 주요한 프로그레시브 락 밴드들은 이보다는 다소 많은 여성 청중을 가졌겠지만 - 특히 보컬 하모니를 강조하 고 팝적인 요소를 많이 가진 그룹들 - 기교적인 음악이 주로 남성의 일이라 는 일반적인 양식은 고정되었던 것 같다. (흥미롭게도, John Wetton은 프로 그레시브 락의 기교적인 박자 변화의 선호를 '오히려 여드름 같은 것; 당신 이 미숙할 때 번창하고, 남성 호르몬과 함께 터진다...그러나, 곧 성장해서 그것으로부터 벗어난다.'으로 묘사했다.)[원주 11] 스스로 악기를 연주하는 것은 기교의 깊은 이해를 위한 선행조건인 것 같다. 그러므로, 락에서 악기 를 연주하는 것은 기술에 대해 안다는 것을 일반적으로 포함하므로, 왜 프로그레시브 락의 추종자들이 주로 남자였고, 1960년대와 70년대에 주목할 만한 여성 연주자들이 이상스럽게도 거의 없었다는 것을 더욱 이해하기 쉽 다.(1970년대 후반기 Gong에서의 mallet percussionist였던 Mireille Bauer 는 한 밴드에서 핵심 멤버의 위치에 있었던 내가 아는 몇 안되는 여성 연주 자들 중 한명이었다.)
클럽과 작은 곳으로부터 무대나 스타디움으로 이동하기 전인 프로그레시브 락의 이른 시기에는 더 많은 여성 청중의 참여가 있었을런지도 모른다. 하 지만, 이러한 주장을 되돌릴 통계적인 자료를 가지고 있지 않으며, 그래서 이것을 가정 수준으로 남겨둔다.[원주 12]

2 # 영국 헤비 메탈

(English Heavy Metal)

먼저 프로그레시브 락과 헤비 메탈만큼 다를 수 있는 두 스타일은 없을런 지도 모른다. 헤비 메탈의 뚜렷한 단순함(Rob Walser는 그의 최근 연구에서 지적했었지만, 이 단순함은 종종 실제보다 더 분명하다.) 프로그레시브 락 의 드러난 복잡성과는 뚜렷한 대조를 취한다. 두 스타일들의 가사의 주제는 완전히 다르다. 앞에서 제시했듯이, 프로그레시브 락은 반항 문화(countcu- lture)적인 사상의 아폴로적 측면을, 헤비 메탈은 디오니소스적 측면을 발 전시켰다. 적어도 어떤 프로그레시브 락 밴드들의 낙관주의(optimism)는 Black Sabbath와 같은 헤비 메탈 밴드의 허무주의(nihilism)과 극명하게 대 비된다. 두 스타일들은 영국의 서로 다른 지리학적 지역들에서 시작되었다.
프로그레시브 락은 영국 남동부에서, 헤비 메탈은 산업 중심지(특히 Birmingham 주변)에서 발생했다. 더구나, 영국 프로그레시브 락 뮤지션들은 보통 중류층, 심지어는 중상류층 배경을 지녔다. 반면, 헤비 메탈 뮤지션들 은 종종 노동자 계층의 혈통이었다. 이것은 Chris Welch가 Black Sabbath의 일대기에서 상당히 자세히 설명했던 점이다.[원주 13]

헤비 메탈 우상들 중 가장 뿌리깊은 Ozzy Osbourne은 프로그레시브 락에 대한 그 자신의 평가에서 많은 헤비 메탈 팬들을 위해 말했었다.

저는 청중들을 좌절시키려는 스테이지 위의 밴드를 보는 데에 그저 참을 수 없습니다. 전 마퀴에 갔었고, 그룹들을 봤는데, 그들이 연주하는 것은 그저 사람들을 망쳐놓고, 완전히 진짜 쓰레기였어요. 그리고 걔네들, 당신은 그들이 쳐다보고 생각하는 걸 알 수 있어요. "와우, 난 이걸 이해 하진 않지만, 좋은 건 틀림없어."... 당신이 거기에 발을 구르고 고개를 끄덕일 수 있다면, 나에 관한 한 그건 좋습니다. 그건 좋은 구식 락엔롤 이고 신은 은총을 내릴 겁니다. 왜냐면, 그건 내게도 그럴 것이기 때문이 죠.[원주 14]

영국의 프로그레시브 락과 헤비 메탈 청중들 사이에는 앞에서 논의한 쟝르 들의 경우보다 확실히 적게 중복되었다. 적어도 부분적으로는 위에서 언급 한 계층과 지리학적 혈통의 차별은 그 스타일들이 오히려 다른 취향의 사람 들에게 어필했다는 것을 암시하기 때문이다. 하지만, 미국 청중들 사이에 서는 상당히 더 큰 중복이 있었다. - 두 스타일들은 중서부에서 매우 인기 있었다 - 다음 장들에서 더 자세히 논의될 것이다.

이러한 차이점들 때문에, 두 스타일들이 공통된 분야를 공유하지 않았다 고 의심할지 모른다. 영국 헤비 메탈 쟝르의 발전에 가장 오래 영향을 끼쳤 던 밴드인 Black Sabbath의 경우, 이러한 가정은 거의 사실이다.[원주 15] 그러나, 프로그레시브 락과 다른 두 주요한 1970년대 영국 헤비 메탈 밴드 들인 Deep Purple과 Led Zeppelin사이에는 연관성이 있다. 그리고, 더욱 더 조사해볼 가치가 있다.

Deep Purple은 1960년대 말에 Cream과 Jimmy Hendrix의 스타일에 상당한 유사성을 가졌던 싸이키델릭 밴드로서 출발하였다. 밴드의 오르간주자인 John Lord가 작곡한 Concerto for Orchestra (런던 심포니 오케스트라와 협연했던)의 발매와 함께, 1970년에 락 밴드와 오케스트라를 위한 다악장 의 조곡을 포함한 앨범들을 역시 발매했던 the Nice와 Pink Floyd와 같은 분야로 들어가는 것 같아 보였다. 하지만, 그들의 1971년도 Machind Head 앨범과 함께 Deep Purple은 최근에 Led Zeppelin과 Black Sabbath에 의해 개척되었던 "고전적인" 헤비 메탈 사운드의 주 요소들을 사용하였다. 귀에 익은 시끄럽고 왜곡된 기타들(Lord는 또한 전기 기타 사운드를 연상시키기 위해 퍼즈 박스를 통해 해몬드 오르간을 연주했다.), 반복된 리듬 기타 리 프들, 보컬 악구들 사이와 때때로 그 기간 동안 2박자 또는 4박자 선율/리 듬 공식들(완전 3화음보다는 개방 4화음 또는 5화음의 소위 "파워 코드"로 자주 구성된), 그리고 거의 항상 4박자의, 매우 쉬운 박자 형식을 만난다.
모든 것 중에서 가장 특색적인 것으로는, 베이스 기타와 베이스 드럼으로 반복되는 갑작스런 힘찬 비트는 Rolling Stones같은 이전의 하드락 밴드들 의 음악의 특징인 부기나 셔플 리듬들의 자취가 거의 없음을 보여준다.
[원주 16] 이 밴드의 나중 앨범들은 프로그레시브 락 스타일과의 점점 더 옅은 연관성을 나타내었다. 하지만, 1970년대 초반 동안, Argent와 Uriah Heep과 같은 밴드들은, 하드락의 헤비한 비트와 두드러진 기타 리프에 프 로그레시브 락의 풍부한 보컬 편곡들과 "교회적인" 해몬드 오르간 부분을 결합시키며, Deep Purple의 초기 음악이 제시한 프로그레시브 락/헤비메탈 퓨전을 행하였다. 특히, Rod Argent에 의한 해몬드의 기교적인 화려한 연 주를 앞세운 Argent는 Nexus(1974)와 Circus(1975)와 같은 후기 앨범들에 서 종종 "고전적인" 프로그레시브 락 사운드에 매우 근접하게 되었다.
Argent와 Yes나 Genesis같은 밴드들 간의 주된 차이점은, Argent는 1960년 대의 영국 블루스 락 전통에 훨씬 더 밀접한 연계를 유지했다는 것이다.

1970년대의 주요 영국 헤비 메탈 밴드들 중에서 Led Zeppelin과 프로그 레시브 락 사이의 연관성이 가장 복잡하고 궁극적으로 가장 흥미롭다. 이 밴드는 일반적으로 헤비 메탈 스타일을 창립했다고 생각되어지지만, 그들 의 존속기를 통해, 스타일이나 본바탕에서 "고전적인" 헤비 메탈로 분류될 수 없는 음악 구조를 만들었다. 그러므로, 그 밴드의 가장 잘 알려진 두 노래들, "Stairway to Heaven"과 "Kashmir"는 프로그레시브 락에서는 아주 중요하고, 헤비 메탈에서는 특별한 관심이 없는 정신적인 모험에 관한 주 제를 다룬 긴 서사시들이다. Led Zeppelin의 두개의 잘 알려진 다른 노래 들 "The Battle of Evermore"와 "Achilles' Last Stand"는 프로그레시브 락 뮤지션들에게 아주 사랑받았던 신화적 주제를 다룬다. 그들의 어떤 노 래들(예를 들어, "The Battle of Evermore"는 완전히 어쿠스틱이다)에서 어쿠스틱 악기들의 두드러진 사용은 헤비 메탈 관례로부터 벗어나고 영국 포크락을 연상시킨다. 전기 악기들과 궁극적으로 리듬 섹션들이 웅장한 클 라이막스를 만들기 위한 어쿠스틱 배경음 위에 점차 쌓이는, "Stairway"와 몇몇 다른 노래들의 구조적 방법은 또한 헤비 메탈보다는 프로그레시브 락 을 훨씬 더 연상케 한다. 결국, 어떤 노래들의 복잡한 박자 구성("Four Sticks"에서 5/8과 6/8박자가 교대로 나오는 것과, "Black Dog"에서 5박자, 4박자, 그리고 2박자 사이의 겁나게 하는 이동)은 프로그레시브 락의 영향 을 암시한다. 보여지는 것처럼, 1970년대 후반기 동안 완전히 새로운 쟝르 - 종종 비웃듯이 불리는 스타디움 락, 또는 합동의 락 - 가 프로그레시브 락으로부터 파생된 양식적인 성향들과 Led Zeppelin의 "절충적인" 헤비 메 탈로부터 파생된 아이디어의 융합으로부터 일어났다.(반면에, Iron Maiden, Judas Priest, 그리고 AC/DC 같은 1970년대 말의 "하드 코어" 헤비 메탈 밴드들은 Black Sabbath의 원시적인 헤비 메탈의 기질을 훨씬 더 독점적으 로 끌어왔다.)

3 # 미니멀리즘

(Minimalism)

미니멀리즘은 아마도 20세기의 하반기에 일어난 예술 음악의 가장 중요한 스타일이다. 그것은 1960년대 중반에 싸이키델릭 음악과 거의 동시에 나타 났다. 그 창시자들은 1950년대의 완전한 음렬주의 혹은 1960년대의 우연성 (aleatoric, chance) 음악과 같은 당시의 전위적인 스타일의 복잡성과 냉랭 한 추상성에 대해 의도적으로 반감을 가졌던 젊은 작곡가들이었다. 스타일 로서, 미니멀리즘은 완만하게 극적이지 않은 변화를 계속해서 반복하는 오스티나토 조직 - 즉, 몇개의 연동(聯動)된 선율적 형태들, 보통 선법 -의 사용을 특징으로 한다. 얻어지는 화음 진행들은 단순하고, 근본적으로 협화 음적이다. 종지(終止)는 별로 없다. 리듬 형태들은 보통 아프리칸-아메리칸 스타일, 특히 재즈의 영향을 반영해서, 굉장히 격앙되고 활동적이다. 아프 리칸-아메리칸 스타일 쪽에서의 한층 더 깨끗한 끄덕임은 Terry Riley와 같은 작곡가가 자신의 음악을 기보하기를 점점 더 꺼리는 것과 이에 상응하 는 즉흥곡에의 증대된 의존하는 것이었다. 주요 미니멀리스트 작곡가들 - Steve Reich, Philip Glass, Terry Riley, LaMonte Young - 은 특정한 월 드 뮤직들, 특히 인도 고전 음악의 체계적인 연구를 착수했다. 자주 무척 길게 나타난 그들의 작품들의 전체 구조적인 개념은 서양 음악보다는 동양 음악에 더 보편적으로 연관된 관념들 - 점진적이며, 소극적인 변화, 그리고 화음과 선율의 변동이 더욱 빨리 일어나는 음악에서 평균적으로 알아차리지 못하는 배음(倍音, overtone)과 같은 음악적 요소들의 강조 -을 강조했다는 것은 놀라운 일이 아니다.

프로그레시브 락 청중들은 20세기의 하반세기를 기원으로 하는 예술 음악 스타일 중 지금까지 가장 많은 관객들을 가졌던 미국 미니멀리즘의 청중들 과 중첩되었다.[원주 17] 그런데, 두 스타일들이 보기보다 서로 스며들지 않는다는 것은 아마 뜻밖이다. 동시대의 미니멀리즘적인 작품들과 거의 불 가사의한 유사점을 가진 격리된 프로그레시브 락 악절들이 있다. Van der Graaf Generator의 "Lost"(1970)의 도입부는 Philip Glass의 1970년대의 음악에서 자주 사용되었던, 목관 악기 중심의 분주한 오스티나토 조직들을 닮아 있다. ELP의 "Infinite Space"(1971)에서의 겹쳐진 오스티나토 형태들 과 불균형적인 박자들은 Steve Reich의 Octet(1978)의 느린 변형을 제시한 다.

하지만, 대체로 두 스타일들은 분명한 분리로 남았다. 둘다 기념비적이었 으나, 미니멀리즘은 결국 좁게는 깊은 경험(지식?)의 전달 경로(channel of experience)에 촛점을 맞춘 명상적인 음악이었다. 미니멀리즘의 가장 큰 수 확은 황홀한 싸이키델릭한 것(psychedelia)인 에시드(acid)가 유발하는 무 한감을 성공적으로 획득하는 구조적 방법을 만들어 낸 것이었다.[원주 18] 반면에 프로그레시브 락도 물론 명상적인 악절들을 또한 두드러진 특징으로 했지만, 그 스타일의 발견은 어쿠스틱과 전기악기편성 사이, 락과 고전음악 중심의 리듬적 개념 사이, 단순한/협화음과 복잡한/불협화음 사이의 갑작스 런 변화에 의존한다. 짧게 말해서, 프로그레시브 락은 미니멀리즘이 결코 시작하지 않은 극적인 (그리고 절충적인) 스타일이었다.

더욱 친밀한 연계는 Terry Riley의 전자 미니멀리즘과 캔터베리 스쿨의 영국 재즈락 사이에서 보여질 수 있다. Soft Machine과 Gong의 초기 구체화 에 포함됐었던 Daevid Allen은 1960년대 중반에 Riley와 일했고, 초기 캔터 베리 스쿨의 다른 멤버들에게 Riley의 테입 루프와 전자 드론의 사용을 소 개했다. 아주 자주, 이 밴드들은 명상적인 미니멀리즘적인 악절들과 더욱 곧게 나간 재즈락적인 부분들을 병치시켰다. 예를 들면, Soft Machine의 "Out-Bloody-Rageous"(1970)의 도입부는 항상 변하는 형식들을 서로 뒤틀고 겹치게 하는 리듬적으로 채워진 전자 오르간 오스티나토들이 과다하게 보이 며, Riley의 거의 동시대의 Rainbow in Curved Air를 강하게 연상시킨다.
Riley의 영향은 중기 Soft Machine(즉, Soft Machine의 Seventh에서의 "French Lesson")에서 인식할 수 있으며, 또한 여러 Soft Machine 출신들 (Hugh Hopper의 1984)의 작품과 1970년대 초반의 Gong에 의한 우주적인 신 서사이저 악절들(You에서의 "A Sprinkling of Clouds")에서도 분명하다.

미니멀리즘과 프로그레시브 락 간의 화합을 세우는 데 가장 많이 수행한 뮤지션들은 Brian Eno와 Robert Fripp 이었다. 그들의 두 공동 앨범, No Pussyfooting(1972)와 Evening Star(1975)는 거의 미니멀리즘적인 락을 창 안해냈다. 중요하게도, 이런 배경에서 Fripp의 작품은 그가 두 프로젝트에 동시에 참여했을지라도 King Crimson의 1970년대 화신에 대한 영향을 거의 인식할 수 없다. 이들 두 앨범에서, Eno는 Terry Riley와 Steve Reich에 의해 개발된 tape loop 기술을 이끌어냈다. 이것은, 짧은 선율적 부분들과 드론들(대체로 Fripp의 전자 기타에 의해 연주된)이 서로 계속적으로 고리 를 만들고, 그래서 심지어 어떤 형태들이 청각적인 사라지더라도, 새로운 것들이 가미된다. 전체적인 결과는 미니멀리즘 음악에서 분명한 서서히 발 전되어 가는 soundscape와 같은 종류이다. King Crimson이 1974년에 해산된 후, Fripp은 이런 종류의 음악을 행했던 솔로 순회공연을 가졌고, 이를 "Frippertronics"라고 명명했다.

이러한 맥락에서 언급할 가치가 있는 또다른 그룹은 Jade Warrior이다.
이 밴드는 King Crimson 형태의 영국 프로그레시브 락 그룹으로 출범했다.
하지만, 1972년에 그들의 Last Autumn's Dream LP 에서 어떤 곡들 ("Obedience")은 이미 Fripp과 Eno의 곡들과 비슷한 락 미니멀리즘을 제시 했다. 1970년대 중반에 이 밴드의 음악은 거의 완전히 연주곡이었다. 리듬 섹션을 거의 강조하지 않고, 미니멀리즘, 민속 음악(특히 중국), 그리고 쿨 재즈를 프로그레시브 락 구조로 끌어냄으로써, Jade Warrior는 1980년 대의 뉴에이지 스타일을 거의 10년 앞선, 독특한 사운드 - 때로 어쿠스틱, 때로는 전기적인 - 를 만들었다. Jade Warrior, Mike Oldfield (Terry Riley에게 영향받은 1973년의 Tubular Bells LP는 놀라운 히트였고, U.S.
챠트에서 3위까지 올랐다), 그리고 독일 그룹 Popol Vuh (마야 성서에서 명 명된)의 음악은, 종종 빗나가기는 했지만, 프로그레시브 락, 미니멀리즘, 그리고 뉴에이지 스타일간의 일관된 관계를 납득시킨다. 두 명의 잘 알려진 프로그레시브 락 키보디스트들인 Yes의 Rick Wakeman과 U.K.의 Eddie Jobson이 그들의 그룹들이 해체된 후, 1980년대 동안 유명한 뉴에이지 연주 가들로 되어버렸다는 것은 중요한 일이다.

4 # 전위적인 전자 음악

(Avant-garde Electronic Music)

1966-1970시기의 싸이키델릭 음악의 경험자들 사이에서 전자음악에 대해 많은 관심이 있었다는 것을 지적했었다. 당시에, Edgar Varese(미국 기타리 스트/밴드리더 Frank Zappa에 의해 떠받들어졌다)와 Karlheinz Stockhausen (Beatles의 Sergeant Pepper 앨범 커버에 나타나고, 그의 1956년의 Gesang der Juenglinge은 초기 전자음악의 고전으로 남아 있다)과 같은 작곡가들의 1950년대 전자 예술 음악에 많은 관심이 있었다는 것은 그리 놀랍지 않다.

20세기 음악의 어떤 다른 형대보다도 더, Varese와 Stockhausen과 같은 작곡가들의 전자 음악은 선율과 화음 같은 전통적인 음악 요소들과 심지어 소리의 순수한 색채적 특질들을 위해 포기되고 있었던 리듬적 요소와 함께 "아방가르드"라는 용어를 예시한다. 이런 종류의 전자 음악 - 전자적으로 만들어진 사운드들과 전자적으로 변하는 자연적 사운드들 모두로부터 형성 되었을 지도 모를 - 은 어떤 음악기준으로는 "음악적"이라고 간주되지 않을 노이즈들을 맥동(脈動)시키고, 윙윙거리게 하고, wooshing하는 것을 특징으 로 한다. 이런 음향적 재료는, 동시에 전개되는 언뜻 보기에 관계없는 음향 적 추이(推移)들의 몇몇 층들과 면들의 복잡한 사운드 "콜라지들"을 생성하 기 위해 종종 겹쳐진다.

이런 전위적인 전자 음악 유산을 가장 완전하게 개발했던 밴드는 Pink Floyd였다. 이 그룹의 오르간주자 Rick Wright는, 특히 Stockhausen의 영향 을 받아들였다.[원주 19] 그들의 콘써트에서 일찌기 4채널 방식 사운드의 사용은 1958년 브뤼셀 만국박람회에서 Varese가 담당했던 4백개의 확성기들 (loudspeakers)들을 통해 제공된 획기적인 사건 Poeme electronique의 사운 드로 청중을 둘러싸려는(surround) 시도의 의식적인 본받음을 제시한다. 하 지만, 프로그레시브 락은 실험적인 전자 음악의 추상성으로 과도하게 영향 받기에는 본질적으로 극적인 수법이었고, 심지어 싸이키델릭 시대에서도 Pink Floyd는 실험적인 전자음악 악절들과 거의 어쿠스틱한 선법적 발라드 스타일들을 조심스럽게 번갈아 했다. 그들의 전자음악적인 실험을 심포닉 락의 구조로 통합했던 Atom Heart Mother(1970) 이후, Pink Floyd는 전자 음악적 효과들을 실험적인 목적으로는 점차 덜 추구했으며, 그것들을 점점 더 아껴, 그들의 곡들의 주제적인 내용들(즉, "Welcome to the Machine"의 기계적인 효과들, "Money"의 도입부에서 쨍그랑거리는 금전 등록기, "Time"
의 시작부분에서 시계초침소리)을 더욱 강조하기 위해 자주 사용했다. 몇몇 초기 캔터베리 밴드들, 특히 Soft Machine, Matching Mole, 그리고 Egg는 Pink Floyd정도까지는 아니지만, 전위적인 전자 음악에의 강한 관심을 또한 분명히 드러냈다. 그러나, Pink Floyd처럼, 이 밴드들도 1970년대 초반 동안 점차 그들의 전자음악적인 실험을 포기했고, 캔터베리 스타일들은 점 점 더 메인스트림 퓨전에 가깝게 발전되었다.

1970년대 초반 동안 프로그레시브 락 밴드들 사이에서 신서사이저들의 대 량 출현의 가장 놀라운 점은 아마 그것들이 가속된 오르간이나 관현악적인 대용물로 주로 사용되었다는 것이다. 영국 락 음악에서 가장 모험적인 전자 음악적 실험은 신서사이저들의 대량 이용 전에, 1970년에 이미 일어났다.
앞에서 제시했듯이, 신서사이저들이 공유된 이후, 전자음악적인 효과들은 점점 더 아껴서 사용되었고, 일반적으로 곡의 주제적인 내용을 강조하기 위 한 것이었다. 1970년 이후, 전자음악적인 실험은 Tangerine Dream과 Kraftwerk와 같은 독일 전자 락 밴드들에 의해 주로 가장 진지하게 일어났 다. 이들 그룹들은 모든 멤버들이 신서사이저들을 연주하며, 어쿠스틱 악기 들과 베이스 기타와 드럼의 락 리듬 섹션들을 둘 다 완전히 필요없게 하였 다. 특히 Tangerine Dream의 사운드는 전자 "예술" 음악의 그것과 매우 가 까웠다. "락"적인 요소는 고동치는, 반복적인 베이스 라인들을 생성하기 위 한 시퀀서들의 특징적인 사용에 의해 결과적으로 제공되었다.

심지어, 1970년대는 결과적으로 전자 뉴 에이지 또는 간단히 전자 음악이 라고 불리게 되었던 스타일로의 수많은 근원들의 합류를 목격했다. 이 스타 일의 음악에서는 미니멀리즘의 영향(Riley/Reich 스쿨의 리듬적으로 가득 채워진 미니멀리즘과 Eno/Fripp 합작의 더욱 정적이고 분위기적인 미니멀리 즘)을 만난다. Varese, Stockhause, 그리고 Pierre Henry와 같은 전자 음악 의 초기 선구자들의 추상적인 사운드 콜라지들, 그리고 복잡한 계량적인 삽 입부, 갑작스런 무드 변화와 거대한 클라이막스로의 점진적인 강화와 같은 프로그레시브 락으로부터 이끌어진 때때로의 어떤 고안들. 집단적으로 "베 를린 스쿨"이라고 자주 언급된 Tangerine Dream과 여러 출신들은 특별히 이런 스타일의 주목할만한 주창자들이었다. Rubycon(1975)와 같은 앨범들에 서의 1970년대 중반 동안의 절정에서, Tangerine Dream은 명상적이면서도 강렬한, 목가적이면서도 미래적인 사운드를 개척했다. 1970년대 동안 이 스타일의 다른 주목할만한 숙련가들은 프로그레시브 락 스타일의 요소들과 베를린 스쿨의 좀 더 분위기적이고 우주적인 전자음악들을 융합했던 그리스 신서사이저주자인 Vangelis(Evangelos Papathanassiou의 별칭)와 프랑스 신서사이저주자인 Jean Michel Jarre, 그리고 두 명의 덜 알려진 프랑스 키보디스트/기타리스트들인 Didier Bocquet와 Richard Pinhas ( 1979년의 Iceland는 특별히 이런 스타일의 좋은 예다)를 포함한다. 1980년대와 90년 대에는 Steve Roach와 같은 새로운 인물들이 최근에 "전자 뉴 에이지"라고 종종 불리워졌던 전자음악 스타일의 저명한 전달자들이 되었다. 1970년대의 많은 베테랑들이 이 분야에서 여전히 활동적으로 남아 있다.

Brian Eno는 특별히 중요한 인물로 남아 있는데, Music for Airports, Discreet Music, 그리고 Thursda Afternoon과 같은 곡들에서 그가 "앰비언 트 뮤직"이라고 명명한 스타일을 개척했다. Eno의 앰비언트 뮤직은 특정한 때와 장소들을 위해 종종 만들어졌다. 그의 의도는 이러한 곡들이 들려지는 환경으로 일관된 기분(mood)을 증가시키는 tapestry와 대규모의 두드러지지 않는 분위기들로 작용해야만 한다는 것이다. 앰비언트 스타일은 균일한 구 조을 가지며, 넓고, 관조적(觀照的)이다. 몇몇 음악적 사건들이 다소 규칙 적으로, 그러나 항상 변하는 바뀌어짐으로 일어나고 되풀이된다. 차분하면 서도 몹시 미묘한 Eno의 앰비언트 뮤직은 과다한 관련 전자 음악적인 연주 스타일들의 개발이 결코 끝나지 않을 것이라는 것을 암시한다.

5 # 후기

(Postsscript)

동시대의 음악 스타일들과 프로그레시브 락과의 관계에 대한 검토에서 두 드러진 것은 결국 그것의 절충주의(eclecticism)이다. 그렇게 많은 다양한 근원들에 밀접했었던 1970년대의 다른 음악 스타일은 아마도 없었다. 바꿔 말하면, 이것은 프로그레시브 락을 가장 다양한 청중들을 가진 70년대 스타 일 중의 하나로 부여했다. 미니멀리즘과 아방가르드 전자 음악과 같은 당시 의 "예술 음악" 스타일들에 관심을 가진 청자들은 다른 락 스타일들에는 거 의 관심이 없었을지라도, 종종 프로그레시브 락으로는 끌렸었다. 마찬가지 로, 하드 락을 멸시한 재즈 열광자들은 퓨전과의 명백한 유사점들 때문에 프로그레시브 락으로 종종 끌렸었다. 1970년대 중반 동안 Keith Emerson은 독자층이 압도적으로 재즈 편향적이었던 잡지인 Downbeat의 연례 투표에서 베스트 오르간주자로 거듭 탑 근처에 머물렀다. (더구나, 이 당시에 Chick Corea와 같은 퓨전 키보디스트들에 대한 Emernson의 영향력은 부인할 수 없 었다) 헤비 메탈 청중들은 포크락을 거의 듣지 않았고, 그 반대의 경우도 마찬가지이다. 하지만, 두 청중들의 상당한 수는 프로그레시브 락에 일시적 인 관심 이상을 보여줬다. 이런 의미에서, 프로그레시브 락은 음악적으로뿐 만 아니라, 사회학적으로도 1970년대 초반과 중반 사이의 대중 음악 문화의 결합에 있었다. 이것은 다음 장에서 프로그레시브 락의 사회학을 탐구할 때, 더 자세히 검토될 것이다.

주석 (괄호 안은 참고문헌)

1. Henry Pleasants, Serious MusicAnd All That Jazz, 197.
(Pleasants, Henry. Serious MusicAnd All That Jazz, New York:Simon and Schuster, 1969.)
2. Dave Stewart, quoted in Milano, "Dave Sterwart: Poll-winning British Keyboardist," 31.
(Milano, Dominic. "Dave Sterwart: Poll-winning British Keyboardist,"
Contemporary Keyboard 6(January 1980).)
3. Marshall Cavendish Encyclopedia of Popular Music, vol. 14, 1563.
(Marshall Cavendish Encyclopedia of Popular Music, New York: Marshall Cavendish, 1990.)
4. Moore, Rock: The Primary Text, 78.
(Moore, Allan. Rock: The Primary Text; Developing a Musicolog of Rock. Buckingham, U.K.: Open University Press, 1993.)
5. 4번과 같음, 101.
6. Genesis가 1977년 그들의 공연 쇼에서 Steve Hackett을 대체하기 위한 재즈락 기타리스트 Darryl Stuermer를 고용했을 때, 베이시스트 Mike Rutherford는 시인하기를, 처음에 그가 Stuermer의 화음 발성법에 대해 우려했으며, 그에게 "칵테일 뮤직"을 연상시킨다고 말했다.- 더욱 풍부 하지만 제멋대로인 화성적인 스타일에 부닥쳤을때, 상대적으로 엄격한 선법을 사용하는 사람들에게는 놀라운 반응이 아니다.
(Gallo, Armando. Genesis: I Know What I Like, Los Angeles: D.I.Y.
Press, 1980.)
7. Dominic Milano, "Eddie Jobson of U.K.", Contemporary Keyboard 5 (March 1979), 54.
8. Steeleye Span의 가장 상업적으로 성공적이었던 싱글 "Gaudete"은 1582 년에 Greifswald(오늘날 스웨덴)에서 Theodoricus Petri에 의해 출판된 Piae Cantiones 라 불리는 이름없는 학교와 교회곡들의 모음집으로부터 나왔다. 비슷한 작품의 비슷한 편곡으로, The Pentangle의 Baskets of Light LP에 실린 "Lyke-wake Dirge"를 추천한다.
9. 콘써트에서 종종 입었던 그 밴드의 검소한 의상은 또한 포크와의 연관성 을 보여준다. 심지어, 그 그룹은 씨뿌리는 기계를 발명했던, 18세기 영국 농학자인 Jethro Tull을 따서 이름지어졌다.
10. David Riesman, "Listening to Popular Music", in On Record, ed. Frith and Goodwin, 12.
(Frith, Simon, and Andrew Goodwin, eds. On Record: Rock, Pop, and the Written Word. New York: Pantheon Books, 1990.)
11. John Wetton, quoted in Milly Kusmic and Stephan van de Ven, "John Wetton", Background Progressive Rock Magazine no. 35(June 1993), 6.
12. 예를 들면, 1960년대 말의 영국 언더그라운드의 클럽 씬에 대한 Miles 의 설명을 읽으면(그의 Pink Floyd를 보라), 여성 관객의 참여에 대해 자주 언급됨을 알아차리게 된다. 이러한 관찰은 당시의 클럽 씬에서 활동적이었던 뮤지션들과의 인터뷰들로부터 나온 것 같아 보인다. (예를 들어, Dominic Milano의 "Keith Emerson" Comtemporary Keyboard 3, 24 를 보라). 하지만 스타디움 락 - 에 포함되는 쟝르에 무관하게 은 압도 적으로 남성의 일이었다는 것을 의심할 수 없다. 클럽과 스타디움 간 여 성 청중의 참여에서의 차이를 설명하는 것을 사회학자들에게 남겨둔다.
(Miles. Pink Floyd: A Visual Documentary by Miles. New York: Omnibus Press, 1980.)
13. Chris Welch, Black Sabbath (Jondon: Proteus Books, 1982), 9-13.
14. Ozzy Osbourne, 위 13번에서 인용됨, 84-85 15. 심지어 Black Sabbath도 1970년대 중반에 프로그레시브 락의 영향권으 로 들어갔었다. 즉,"She's Gone"에서의 스트링의 사용과 "Supertzar"에 서의 콘써트 합창단과 변박자의 사용. 심지어, 밴드의 최고 앨범이라 논 의될 수 있는 Sabotage(1975)의 복잡한 제작, 전기와 어쿠스틱 악절들간 의 갑작스런 이동, 그리고, "의식의 흐름" 방식 들은 프로그레시브 락의 영향을 다르게 나타낸다. Welch는 1970년대 중반부터 후반까지의 밴드의 혼란을 프로그레시브 락에 관심이 많은 기타리스트 Tommy Iommi와 그 스 타일을 혐오하는 Ozzy Osbourne사이의 충돌의 산물이라고 한다.
16. 특히, Rolling Stones의 리듬적 접근법 - 아프리칸-아메리칸 R&B로부터 직접적으로 적용한 - 의 보증은 리듬 섹션에서 순수한 4박자의 2소절 위 에 보컬에서의 2+3+3 또는 3+2+3의 1소절("Satisfaction"은 전자를 사용 한다)을 겹쳐놓는 경향이다. 이것은, Stones의 음악을 "띄워주고(lift)"
춤추기에 알맞는 특성을 갖도록 하는 폴리리듬의 결과이다. 반면, 헤비 메탈에서의 보켤과 리드기타의 강세음은 리듬적인 "중량감(heaviness)"
의 효과를 더해주는 강한 비트들에 주어지는 경향이 있다.
17. Eric Salzman, Twentieth-century Music: An Introduction, 3d ed.
(Englewood Cliffs, N.J.: Prentice-Hall, 1988), 216.
특히, Philip Glass는 팝문화적인 용어로 "스타덤(stardom)"에 올랐다.
18. 웨스트코스트 미니멀리스트들-특히 Riley와 LaMonte Young-은 Grateful Dead와 다른 bay-area 싸이키델릭 밴드들보다 몇살 더 먹었을지라도, 같 은 일반적인 문화적 배경으로부터 나타났다.
19. Schaffner, Pink Floyd, 25, 27, 50.
(Schaffner, Nicholas. Saucerful of Secrets: The Pink Floyd Odyssey.
New York: Harmony Books, 1991.)

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